关键词：爵士钢琴；钢琴教学
想必很多看过著名电影《海上钢琴师》的观众，对1900显示出的无师自通的非凡爵士钢琴天赋记忆犹新。他在一生都在船上的乐队演奏爵士钢琴，每个听过他演奏的人，都被深深打动。爵士乐鼻祖杰尼听说了1900的高超技艺，专门上船和他比赛，最后自叹弗如，黯然离去。爵士钢琴自十九世纪末出现以来，随着众多富有才华的音乐家们对它的不断培育和发展，如今已经形成了自己独特的音乐风格和音乐体系，时至今日，在爵士钢琴的演奏技法上除了传承古典钢琴的演奏风格技巧之外，还形成了很多自己特有的演奏方式和特点，并且还衍生出许多不同的流派，为爵士钢琴积累了大量的经典作品，同时，它亦为古典音乐乃至流行音乐的理解和发展做出了重大的贡献。
爵士钢琴音乐以其独特的音乐文化，以各种不同的音乐形式，音乐风格并与各国民族民间音乐相结合，对中国流行音乐的传播与发展有着重大的影响和深远的意义。爵士钢琴在高师钢琴教学中也有着特殊的意义。
（1）爵士钢琴作品特有的和声、节奏及音调能使音乐富有趣味性，能够激发学生学习的积极性。现在通过艺考进入师范院校上大学的人越来越多，学习音乐的人也越来越多，但是这些所谓专业院校出身的学生其专业水平大多良莠不齐，有些人的水平甚至不如小学生。大多数人是因为真正喜欢音乐而去学习艺术，但也不排除那些仅仅为了考学或是为自己“谋出路”为目的学习音乐的人在。传统的钢琴教育，教材内容单一，几乎全国上的都是差不多的内容，上课形式枯燥无味，练习的时间漫长无趣，而且，许多学生虽然学的是音乐学，但是除了自己学习的乐器之外，对其他的乐器或者说是音乐形式知之甚少。如今，十个人里差不多就有六个人在学习钢琴，但是又有多少人能学出来呢？又有多少个郎朗，李云迪呢？反观西方的音乐教育，技巧并不是最重要的，老师强调更多的是对作品和作曲家的理解，所以才会有人说国内培养的是钢琴家，而国外则培养的是音乐家。因此，爵士钢琴这种趣味性很强，特色突出的音乐形式，为这些不怎么喜欢钢琴的学生开辟了一个新的大门，学生们在满怀兴趣的学习和演奏它的同时，亦能够提高自己的乐感和技巧。
（2）通过对爵士钢琴即兴演奏的训练，能让长期看谱弹奏的学生掌握爵士钢琴即兴演奏观念，培养他们思维能力的创造性。爵士钢琴音乐的真正魅力在于即兴演奏，早起的爵士音乐家们早就脱离了看谱弹奏的模式，常常都是现场即兴，下一秒会出现什么音永远都是未知数，而现场即兴演奏不仅对于常年学习古典钢琴看谱弹奏的学生来说是难点，对于高等师范院校的钢琴教学来说也是巨大的冲击。现代古典钢琴奏法让学生们变成了只会看谱弹奏的机器，对乐谱重难点的反复训练，让他们的技艺日渐精湛，但是他们究竟弹了些什么，恐怕他们自己也是不得而知。对于乐曲没有自己的理解和情感的投入，演奏出来的也只是音符而非音乐。所以高等师范学校钢琴课程的改革应立足于即兴演奏，在教学初期就应当将脱谱演奏，即兴这一概念潜移默化给学生，在爵士钢琴与古典钢琴的教学中寻找出存在的共性，才能提高高等师范学校的钢琴教育水平。
（3）将爵士钢琴应用到钢琴教学中，能够扩展学生的知识面，开发学生的想象力和创造力。我国现有的音乐教育体制仍然是以“一元论”的文化发展观为主体的，导致学生偏科严重，知识面狭窄，难以适应现代社会多元化的发展需求。早在很久之前，就有研究者围绕专业音乐教育体制中存在的弊端以及音乐院校的课程设置展开了讨论。许多师范院校一味追求传统的古典钢琴教育的高精尖人才，导致学生偏科现象尤为突出，而将爵士钢琴应用到钢琴教学中，正是钢琴教育体系多元化发展的一种体现，我们不能限制学生的视野，束缚学生的思维，不能一提到钢琴就让学生的脑海里只有巴赫，肖邦，贝多芬之类的传统欧洲音乐，那样对学生的发展和提高都不利。学习爵士钢琴，它和古典钢琴之间的差异能让学生们更好的掌握西方古典音乐的特征和演奏技法，改善学生因为传统的教育模式而被限制的音乐创造力和狭窄的音乐接受体系，通过爵士钢琴即兴演奏的训练，还可以开放学生们的想象力以及他们对不同音乐的感悟能力。
（4）通过对爵士钢琴的学习，能让学生接触到不一样的音乐文化，对树立学生正确的音乐价值观，把握20世纪现代钢琴音乐起着不可忽视的作用。爵士乐是美国对全世界音乐文化的伟大贡献，现在已经成为了超越种族和国界的共同音乐语言，它不仅支配着当代流行音乐的发展，而且对严肃的古典音乐也产生了深刻的影响。在20世纪的音乐史当中，我们能够看到许多优秀的钢琴作曲大师在自己的作品中都有借鉴爵士乐的素材和手法，比如拉威尔创作的《左手钢琴协奏》，这首协奏曲的核心就使用了爵士乐那种典型的“布鲁斯音阶”，即降Ⅲ级、Ⅴ级、Ⅵ级、Ⅶ级。通过以上的例子，我们可以看到爵士乐对于钢琴音乐的创作产生的巨大影响，不得不说，爵士乐对西方音乐加入了新的活力，这是20世纪任何一种音乐形式都无法比拟的。
目前，爵士钢琴在国内教学水平中相较以往已经得到了长足的提高，但由于爵士钢琴教学并没有像古典钢琴那样有完整的教学体系和可操作的有价值的教材，它的发展还仅仅是缓慢的程度。教材内容的单一是国内钢琴教学普遍存在的问题，作为爵士钢琴老师的话，必须要在上课之前收集不同版本的爵士钢琴曲谱，而且对它进行分析，总结和试奏，并根据不同的曲子将它经行归纳总结，不光是对材料的清理，对于学生而言也要看他们的学习情况和专业程度来决定教授什么内容，所以，这一系列繁琐的工作也是爵士钢琴教学所面临的比较严峻的问题。
因此，将爵士钢琴运用到我们现阶段的高等师范学院的钢琴教学中是非常有必要的，它能改变我们只学习古典钢琴造成的知识面狭窄，离开了乐谱就手足无措的弊端，这种崭新的，多样性的钢琴教学我相信能让学生甚至是老师都以最大的热情投入到它的学习和科研中，从而进一步提高我国钢琴教育的学术水平。
结语：虽然目前在国内爵士钢琴仍然只是小众文化，但我希望通过我的研究，能让越来越多的人看到爵士钢琴，喜欢爵士钢琴，认识到爵士钢琴带给我们价值其实并不比古典钢琴少。
参考文献：
[1] 周梦璐.论爵士钢琴在钢琴教学中的应用[J].吉林教育，2011（11）.
[2] 徐宁.浅析西方爵士钢琴在中国的传播[J].大众文艺，2011（11）.
[3] 吴铮玉.爵士钢琴教育思路浅探[J].音乐探索，2011（2）.
【关键词】中国古典舞；基本训练；钢琴伴奏；伴奏变化
一、前言
舞蹈艺术是通过人体动作来传递美感的一种综合型的艺术形式，它不仅能够将美妙的伴奏音乐同优雅的形体动作巧妙的联系到一起，同时还可以在传递音乐意境的同时将作品中所蕴含的思想情感淋漓尽致的展现出来。可以丝毫不夸张的说，音乐同古典舞蹈之间已经形成了水融的关系，两者之间就如同是鱼和水一般的相辅相成、缺一不行。正如我国著名的音乐家吴祖强先生所说：“舞蹈和音乐的任务是共同努力通过塑造鲜明、有说服力的形象来展示企图表现的内容，从总的方面来看，舞蹈音乐的最大特点应该是能尽力帮助舞蹈形象的塑造和确立，丰富舞蹈形象，加强舞蹈形象的感染力。”由此可见，在中国古典舞的教学课程中，钢琴伴奏占据了非常重要的地位，为了能够培养出更多优秀的中国古典舞人才，针对其基训课程中的钢琴伴奏变化展开详细的分析是非常有必要的。
二、中国古典舞的内容概述
古典舞作为我国舞蹈领域中的一项十分重要的舞蹈艺术类别来说，具有着非常浓厚的中国古典风格与艺术特色。在经过了漫长的发展历程之后，中国古典舞已经表现的愈发符合现代人的审美习惯与欣赏标准。更加直白一些解释，古典舞是建立在传统舞蹈美学的基础之上，将民族文化、戏曲艺术以及武术等多项元素融合于一身的舞蹈种类，在其中蕴含了浓厚的民族色彩与时代色彩的多元化舞蹈体系。
中国古典舞的基训课程是培养优秀舞蹈演员的基础摇篮，其最主要的教学价值即为改善舞蹈演员的身体素质，从跳跃和翻转等舞蹈技巧处着手来逐渐提升演员的舞蹈表现力。根据我国当前的中国古典舞基训教学现状来看，主要包括了如下几个方面的教学内容：第一，身体柔韧度的训练，针对的是舞蹈演员的腰部和腿部；第二，动作控制能力的训练，例如舞姿的控制、在跳跃中的身体爆发力以及旋转能力等等；第三，舞蹈技巧的训练，例如跳跃、翻身以及旋转等等。
三、中国古典舞基本训练课中钢琴伴奏的变化需求
经过对我国当前古典舞基训课程的教学现状进行了解后可知，绝大多数的中国古典舞蹈基本训练课程的授课教材均为舞蹈学院内部提供的，因此就需要钢琴伴奏教师去自己购买授课教材。然而，由于很多舞蹈院校中的伴奏教材数量都非常的少，并且在内容上也显得十分的陈旧和缺少创新性，因此就需要钢琴伴奏教育者结合自身以往的教学经验以及对学生学习需求的了解来对原有的教材曲目进行多次的创编，通过此种方式来增强中国古典舞课堂教学内容的丰富性。这也就在无形当中对钢琴伴奏教育者的综合素质制定出了更高水平的要求标准。然而，从事钢琴伴奏教育的教师虽然拥有着较高水平的艺术素养与丰富的教学经验，但由于每个教育者的演奏风格与教学理念都各不相同，因此在对古典舞的认识上也存在着很大的出入，很难将钢琴伴奏的教学辅助作用很好的发挥出来。除此之外，中国古典舞的钢琴伴奏教育者同时还要拥有着强烈的创新意识，善于发展和整合在教学过程中所出现的问题与不足之处，促进中国的古典舞艺术可以逐渐朝向系统化与科学化的方向所发展和进步。
还有一部分中国古典舞的教育者过于认定自身的音乐感知与把握标准，觉得只有采用学生比较熟知的伴奏音乐才能够编排出更加容易学习的舞蹈动作，然而由于此种教学方法过于局限，所以会影响到学生创作欲望的形成，压抑学生的创新能力。基于此，中国古典舞的教育者要经常性的与钢琴伴奏教师展开沟通和交流，争取找到一个更加符合学生发展和进步的教学模式，从而让中国古典舞的教学课堂可以在钢琴伴奏的变化中发挥出更好的教学效果。在最近几年来，伴随着我国复合型人才培养模式的深入实施，舞蹈课程需要同音乐教学紧密的结合到一起，在减少教学资源浪费的基础上为国家培养出更多专业素养较高的实用型舞蹈人才，此种教学观念上的创新也是导致中国古典舞基训课程中钢琴伴奏出现多变性特征的一项重要原因。
四、中国古典舞基本训练课中钢琴伴奏的变化策略
1、钢琴伴奏教师要进一步加深对中国古典舞教学课程的认识与了解
为了能够让带有变化性特点的钢琴伴奏教学可以为中国古典舞课程的顺利实施带来积极的辅助作用，钢琴伴奏教育者应当在日后的教学工作中不断的充实自身的知识内涵，要拿出更多的时间和精力来了解有关于中国古典舞的基训课程教学内容。首先，钢琴伴奏教育者要了解到中国古典舞中包含着武术、戏曲、以及民族舞等各种类型的舞蹈元素，并且在不断的发展与创新过程中融入了一些来自于西方国家的芭蕾舞元素，从而形成了一套带有中国特色且符合现代人审美口味的舞蹈教育体系。在这一基础之上，钢琴伴奏教育者要在日常的教学中着重突出对脚尖、眼神等训练内容中的细节重点，同时要弹奏出与舞蹈动作相匹配的音乐节奏，通过此种方式来加深学生对舞蹈课程重点的印象；其次，钢琴伴奏教育者还要对中国古典舞所特有的艺术风格进行准确的掌握，同时运用自身娴熟的演奏技巧来辅助古典舞基训课程中的韵律教学。
在具体的授课过程中，中国古典舞的基本训练课程也要按照不同的教学层次来制定出不一样的训练内容。为了能够凸显出不同难度古典舞基本训练课程中的教学特点，钢琴伴奏教育者还要在课程开始之前对不同年级的课程内容展开全面且深入的了解，在做好钢琴伴奏工作的同时辅助基训课程的顺利开展。
2、钢琴伴奏教师要敢于对伴奏曲目进行改革与创新
在国内绝大多数艺术院校的舞蹈分院中，都会配有专职或兼职的钢琴伴奏教育者，这些钢琴伴奏教师虽然毕业于专业的师范音乐大学，拥有着高水平的弹奏技巧，但是却并不意味着他们能够胜任更加复杂的古典舞基训钢琴伴奏教学。由于在音乐本科院校中基本不会为大学生提供参与舞蹈课教学课堂的机会，所以难以避免的会让一些刚刚参加工作的钢琴伴奏教师产生教学上的生疏感。以大踢腿的伴奏音乐为例，音乐的乐句应当铿锵有力且掷地有声，要将音乐的重拍同舞蹈动作的发力点巧妙的融合到一起，钢琴伴奏教师如果无法掌控好指触的弹性以及重音的位置，那么就会给人一种声音上的跳脱感，十分不利于舞蹈动作的教学。基于此，古典舞基训课程中的钢琴伴奏教师要对舞蹈课程的教学重点与授课规律展开全面的了解，争取能够加深对基训课程的把握深度，结合具体的授课内容来对钢琴伴奏曲目进行适当的调整与改进。
除此之外，在很多古典舞的基训课程中，钢琴伴奏教师会反复多次的演奏同一首伴奏曲目，长此以往就会让学生产生厌烦和疲劳心理，从很大程度上影响到了舞蹈课程的教学效率。基于此种情况，钢琴伴奏教师应当结合自己以往的教学经验与丰富的演奏技巧来对伴奏织体与音乐节奏进行一些适当的调整，让压抑枯燥的课堂气氛可变得生动活跃起来。以平转为例，在同一首伴奏曲目中，教育者可以根据学生的舞蹈功底和学习能力来将其分成多个学习小组，针对舞蹈水平相对较差的学生使用常规伴奏调式；针对舞蹈水平较强的小组则可以采用属调，并且在音乐节奏上也要加入一些力度与重拍上的变化，让整个伴奏音乐给以带来一种焕然一新的感觉。
3、对现有的钢琴伴奏教材内容进行完善与优化
自从我国正式进入到二十一世纪以来，无论是国家的经济水平还是教育水平均出现了较大幅度上的提升，而有关于中国古典舞的伴奏音乐教材也如同雨后春笋一般的层出不穷。从最开始的油印曲目到当前的铅印出版，这些汇聚了无数舞蹈伴奏者辛勤汗水与智慧结晶的音乐书籍成为了促进古典舞教学课程不断进步与创新的重要力量。在这段相对漫长的发展历程中，从事古典舞音乐伴奏的教育者们也开始逐渐的认识到了将舞蹈课程与钢琴伴奏融合到一起的重要性，从而为古典舞蹈艺术带来了更大的进步与完善空间。在我国，古典舞教学课程是在1949年以后开展的，到目前为止，仍然有很多艺术院校在使用由郑国安所编著的《中国古典舞基训钢琴伴奏曲集》，这本伴奏教材由于年代过于久远，因此会导致整个舞蹈课程变得死气沉沉，严重影响到了学生自主创造能力的发挥。而后，例如《中国古典舞基训钢琴伴奏曲集》、《中国古典舞基本训练钢琴曲选》以及《中国古典舞基训钢琴伴奏曲选》等教材的发行和应用，让我国的古典舞基训课程开始表现出了一些时代感与灵活性。然而，即使是增加了近300首左右的钢琴伴奏曲目，但是在具体的古典舞教学课堂中却仍然存在着一首曲目反复演奏的情况，不仅让学生与教育者都觉得烦不甚烦，而且还很难满足于新时期中对于古典舞钢琴伴奏的创新性要求。由此而见，钢琴伴奏教材的选择与应用是整个古典舞基训课程中的重要环节，它不仅能够对古典舞基训课程的教学质量带来了直接性的影响，同时还制约到了古典舞学院舞台实践水平的提高。基于此，作为一名新时期当中的中国古典舞钢琴伴奏教育者来说，应当拿出更多的时间与精力来投身到对钢琴伴奏教学内容的创新与编制上，争取能够为古典舞课程创编出更多优秀的钢琴伴奏曲目。
参考文献：
[1]雷娟.中国古典舞基训课中钢琴伴奏的“变化”研究[J].河北师范大学硕士学问论文，2013.
[2]姜玲玲，沈建.论中国古典舞基本功训练的钢琴伴奏[J].北方音乐，2012（11）：206.
[3]陈萍.浅析钢琴伴奏对基训课的作用[J].音乐时空，2015（07）：93.
中国古典音乐在钢琴演奏中的美学研究 精品 源自数 学科
中国古典音乐通过钢琴演奏,能够更鲜明和灵活地被听众所接受,是一种全新艺术的展现,突破了用东方古典乐器所展现出的民族气息,赋予中国古典音乐一种全新美的韵味与魅力。
一、中国古典音乐的分析
(一)中国古典音乐的概念
中国古典音乐是众多音乐形式中的一种音乐类别。中国古代的音阶分为:宫、商、角、变微、徽、羽、变宫,称为七声音阶,就是现代音乐中的C、D、E、F、G、A、B。七声音阶通常以雅乐和燕乐作为主要载体。通常在宫廷的祭祀活动或者朝会仪礼中会采用雅乐。雅乐起源于我国周代,起初用于祭祀天地、祭祀祖先、宫廷朝会、军事大典等。燕乐指的是在中国隋唐时期到宋朝时期的宫廷宴请所用的歌舞音乐,具有很强的娱乐欣赏性,又称宴乐。宴乐由声乐、舞蹈、百戏、器乐等几种音乐形式组成,其中舞蹈、歌唱音乐在隋唐时期占有较为重要的地位。燕乐中的乐器有箜篌、方响、筚篥、羯鼓、琵琶、笙、笛等。
(二)中国古典音乐的特点
中国传统古典音乐通常具有抽象、深邃和虚幻的特点,可以使人体悟到真实的高山流水、山竹花鸟,随着缓缓的音乐应运而生,通过这种深邃的音乐可以将千古缠绵不绝的生命呼唤显现在人的眼前。那种说不清、道不尽的唯美感觉,就是中国古典音乐所崇尚的一种淡泊、典雅、含蓄、委婉之美,也是中国古典音乐独具之美。中国古典音乐注重的是心灵和心理上的感觉,就是通过音乐将生命的体验和领悟表现出来,最能体现的是中华上下五千年的生命意蕴。中国古典音乐,无论是在心灵上亦或是在感情上,所崇尚的都是一种同大自然的交织相应,显现的都是诗情画意般美的意境。
中国古典音乐注重对情感的反映,通过乐曲可以使听众得到一种主观上的感受,通过乐曲也能够展现出当时的社会意识形态及人类情感世界。中国古典音乐通过作曲者对情感的捕捉,再配上旋律、声调、词、曲等综合形式,把作品呈现出来。中国古典音乐可以通过旋律、声调、词曲等元素的变化展现作品的内涵意境所在。中国古典音乐具有极强的感染力,使听众在听觉和感官上得到一种自然美、人性美、社会美的意境感受。
二、钢琴演奏的分析
(一)钢琴乐器的表现力
钢琴是众多西方乐器中演奏的表现力最为丰富的乐器之一,素有“乐器之王”的美誉,演奏起来非常引人入胜。没有任何一种乐器,可以独自将宏大的气势表现得丰富多彩、绚丽辉煌。钢琴的音域很广,可以达到6到7个八度,通过力度由弱到强的变化,表现多彩的变化,足以同一支交响乐队相媲美,钢琴演奏者可以独自一人通过钢琴创造出一个完美的作品,塑造一场生动的画面。
(二)钢琴演奏的音色特点
在数以百计的音乐弹奏中,钢琴演奏具有其独特的美学效应和发音特色。钢琴具有独特的如歌般的清脆悦耳的灵透的音色,可以将演奏者的情感表达得淋漓尽致,对于钢琴的演奏,要求必须具有纯熟的弹奏技艺,加上演奏者对于音乐深层内涵的理解。钢琴演奏出的音色时而优美甜蜜,时而咆哮愤怒,时而微微细语,时而奔腾豪放,其音色的变化具有极为广阔的空间和延展性。钢琴所独具的音色之美,是其他乐器无法比拟和仿效的。
三、中国古典音乐同钢琴演奏结合所产生的美学效应
通过中国古典音乐同西方乐器钢琴的结合就产生了一种全新的音乐——中国钢琴古典音乐。中国钢琴古典音乐同以往所说的单独钢琴音乐不同,同单独的中国古典音乐也不同,它是一种通过钢琴所演奏出的中国古典音乐,是一种全新的音乐艺术表现手法,是一种东西方的艺术相互结合所产生的结晶。中国古典钢琴音乐演奏具有极强的复杂性,演奏者除了要对音乐深入理解,还要在演奏时极为投入,把握和领会中国古典音乐真正的灵魂及内涵。只有把中国古典音乐与钢琴发音极为巧妙地结合在一起,才能够弹奏出极具中国神韵和静雅风格的中国古典钢琴音乐。
中国古典音乐同西方的音乐,在情感和意境表达、创作手法和表现形式上都有很大区别,中国古典音乐追求的是“神”“韵”“意”的传达和表现,音乐所要展现的是意境和内涵。通过与钢琴的结合,能够很好地弥补中国乐器所演绎的不足,更好地将中国古典音乐通过钢琴的音色表现出来,完美地展现出中国古典音乐的内涵。
(一)对于意境美的表达
钢琴具有极为立体化的音色,可以将中国古典乐曲的意境很好地诠释出来。在中国古典音乐作品中,无法找到纯粹的写实之物,大多是用来歌咏和抒情之作,无论是借景抒情还是借情叙景,都是一种在心理上的感情抒发。下面笔者以几首作品为例,对中国古典音乐用钢琴弹奏表达意境美做更深入的分析。
1.由王建中改编的现代钢琴曲代表作《梅花三弄》通过改编之后,使人们可以透过音乐感受到梅花的时而动态、时而静态的美,并且可以感受到通过傲骨之梅所创造出的意境,从而更加深刻地表达出作者高洁冷峻的情操。改编后的《梅花三弄》不仅再度发挥了原创的艺术之美,并且在原作旋律的基础上,更好地诠释了原作的精神内涵。
2.由陈培勋改编的现代钢琴曲之作《流水》,改编之后,使这首作品更加凸显出作品所要展现的流水之动态和人类同自然界之间相互依赖的意境。听众可以通过钢琴弹奏感受到作品所描绘的流水潺潺的小溪和波涛彭湃的江河,正是作曲者所要抒发的对祖国大好山河的热爱之情。
3.由黎英海改编的现代钢琴曲《阳关三叠》,通过改编之后,成为一首三段式结构的重奏曲。这首改编曲既保留了原作唐代琴歌的音乐特色,又加入了钢琴的特色,融入了一些不同类型的音色,使作品更加丰富,使人能够感觉到更多的层次感,作品改编后,非但没有失去古曲的特色,还增添了音乐的充实感,使旋律线条的音乐更能适应现代钢琴的演奏。
由以上几首古曲改编后的代表作来看,在旋律和音调上仍然具有传统音乐的古朴特点,又在旋律和音调上做了新的创造和发展,使作品不仅能适应现代钢琴的演奏,更创造出了一种深邃久远与现代派融合的意境,彰显了古典音乐的古雅内涵,又使乐曲显得更加余韵无穷。
(二)对于情感美的传递
通过钢琴演奏出的中国古典音乐可以更生动地传递出作曲者想要表达的情感之美,透过音乐的聆听仿佛能感受到作曲者在向人们描述着一个远古的故事。无论何种艺术作品都有其所要表达的情感内涵附着在作品里,听众能够在欣赏乐曲的同时,感悟到乐曲所要表达的情感,欢乐或是悲伤、幸福或是忧郁,都能够在享受乐曲的同时深刻地体会和感受到。
1.感受乐曲美妙情感
对于乐曲美妙境界的感受,是通过钢琴弹奏出的音符来传递的,无论欢快的还是低沉的乐曲都能够带给人全新的体验,使听众跳出现实世界,暂时“停留”在乐曲里进行一种精神层面的享受,更多地感触乐曲中的人与事物。
2.感悟乐曲情感之内涵
透过中国古典钢琴音乐,能够更深层次地挖掘到作曲者的思想意图,从而产生一种情感共鸣,感悟到作品中的灵魂所在,充分感受到作品中鲜活的人物及情感。透过中国古典钢琴音乐,可以把作品中某一时期的情感灌注其中,充分展现作曲者所要表达的意图。
3.灵魂的震撼体验
中国古典钢琴音乐可以拉近听众与作曲者的距离,排除时间的距离,实现两者间的时空对话,灵魂交流。钢琴所发出的的音色,可以使听众体验到作品当时所处的环境,从而通过对听众灵魂的碰触,感受到一种全新的震撼。在人类的灵魂深处,都存在着某种最为真实的情愫,恰巧通过音乐可将其唤醒,通过音乐使灵魂得到一种全新的震撼体验。
(三)对于旋律美的表现
对于音乐而言,其线条之美感是由旋律构成的。音乐透过旋律直接影响听众的听觉感官,使其直接获取到一幅臆造的景象盘旋于脑海。例如《渔舟唱晚》,透过颤音、滑音、跌宕起伏的旋律可以使听众仿佛置身一艘出海的渔船之上,感受到渔船被海水击打的水浪和渔家的歌唱萦绕在耳畔,击浪声、欢歌声美妙地相互交织在一起……中国古典钢琴曲在旋律上力求保留古典滑音、颤音,还加入了新的创造,在旋律上赋予了新意。通过对于音色变化、音乐力度和节奏的把握,使乐曲在旋律上更加丰富生动、起伏跌宕。通过钢琴演奏,不仅能表现出乐曲的古典之神韵,还能够融入西方的复调方法,使乐曲更加具有旋律上的线条变化之美,使乐曲更具表现力等。钢琴演奏更能够帮助欣赏者加深对原作的理解,激发其对美好事物、情感或生活的体验,进而展开对其的追求及创造。
(四)对于古雅典范美的诠释
中国古典音乐通过改编成钢琴曲,可以在保留原曲目的基础上融入西方音乐的曲式结构,形成一种全新的具有古雅之美的乐曲。中国古典乐曲通过改编能够更好地发挥出其古雅典范之美,听众可以透过钢琴美妙绝伦的飘逸质感,呈现古曲的淡泊幽静的古雅之美,更加拓宽了中国古典音乐的美学意境。中国古典音乐通过改编成钢琴曲,会将原有的淡雅从容、从俗到雅的平和幽静展现得淋漓尽致,使这种唯有中国古典音乐独具的博大、深邃、广袤的情怀得到一种极致的展现。如改编后的《梅花三弄》更加深刻体现了原曲的内涵精神,在乐曲的前奏上使用了低音八度的装饰音,使乐曲的音域更加浑厚辽阔,呈现出一种遥远的古雅之美;在乐曲的高潮部分,改编者利用翻滚的音色凸显出梅花的孤傲之雅;在乐曲的结尾上,利用小二度的旋律使整个乐曲的基调变得轻松幽静,表现出古曲的格调及变化创新,让听众感受到梅花不惧严寒的高尚品格,同时又美丽孤傲的淡泊风雅之感。整个乐曲分为六个部分,第一部分旋律较和缓,在缓慢的乐曲中描绘出梅花的透明清秀;第二部分略见活跃之感,利用高音与低音的对比刻画出梅花的淡雅之美;第三、四部分则情绪高昂,显示梅花的刚烈气质;第五、六部分又转入平静舒缓,让听众联想到梅花的典雅之风。这六部分通过钢琴跌宕起伏的演奏给听众一种意犹未尽之感,梅花的超凡脱俗的气度及浑然天成的淡泊之美被一一呈现出来,极致地反映出东方艺术的古雅之美。
结语
随着改革开放,对外文化的交流,在音乐方面,东西方也产生了相互的借鉴与交融,中国古典音乐与钢琴就是一种全新的、特别的艺术交融,通过钢琴所演绎出的具有浓郁中国古典味道的中国钢琴古典音乐,是中国及西方音乐艺术史上的一个具有划时代意义的创新,对于民族风格的体现也极具意义。尽管在风格或是审美观、哲学观、宗教观、艺术观等方面东西方都存在着很大差别,但中国古典音乐与钢琴的相互结合、交相辉映却给人带来了一种全新 中国古典音乐在钢琴演奏中的美学研究 中国古典音乐在钢琴演奏中的美学研究 ：小学音乐论文：音乐课堂教学过程 我国民族音乐的形成与特点 音乐鉴赏教学中的创造性思维培养
从他的外表看，大概没人会相信这是一个天才的古典钢琴演奏者。身高2.07米，有着典型东欧男人魅力的俊秀脸庞，邪魅而又有点玩世不恭的微笑，染发，一身休闲装，瞧上去倒像个偶像流行男歌手。他弹钢琴前要冥想很长时间，然后坐在钢琴前如行云流水般敲击琴键，直到这时，人们才能把对他的外观印象抛到脑后——钢琴前的马克西姆是一个才华横溢的演奏家。
马克西姆受过非常严格的钢琴训练。他出生于1975年，家乡是在亚德里亚海岸一个名叫希贝尼克的小镇。他9岁开始练习钢琴，仅仅3年后，他就和交响乐团一起合作表演海顿的“C大调钢琴协奏曲”。
1990年，战争爆发，马克西姆和他的钢琴教授坚持不中断他的音乐学习。不管战争和动乱多么可怕，马克西姆依然于1993年在克罗地亚首都萨格勒布，参加了他的钢琴生涯中第一个比赛并胜出。随后，他在瓦拉基米尔·卡潘教授的教导下，在萨格勒步音乐学院度过5年时光，接着，又在匈牙利首都布达佩斯著名的李斯特音乐学院学习。1999年，他获得鲁宾斯坦国际钢琴大赛头奖。
2000年，马克西姆到法国首都巴黎跟随伊戈尔·拉兹克学习。后来，当他回到克罗地亚，他发现自己已成为媒体的焦点，并经常登上荧幕和被重要人物接见。不久，马克西姆与其它同时代的克罗地亚钢琴家一起录制了第一张专辑《手势》（Gestures）。《手势》在克罗地亚发售时，成为了当时最畅销的古典乐唱片之一。马克西姆甚至被邀请参加德国首都柏林音乐颁奖典礼——这个颁奖典礼被誉为克罗地亚的格莱美奖——并在开幕式演奏，这个殊誉极少会给予一个古典音乐家；他在该次颁奖典礼中囊括4项大奖，其中包括最佳古典音乐奖。
钢琴伴奏在中国古典舞基训课堂教学中非常重要。中国古典舞基训与钢琴伴奏协调统一，一方面能提升课堂教学效果，使课堂教学丰富多彩；另一方面又能促进课堂气氛，使课堂教学生动、活跃。
（一）钢琴伴奏的好坏可以直接影响中国古典舞基训课的教学效果。例如把上的大踢腿练习是快速地、有力地将腿的绷直形态向身体的不同方位踢起，它对舞蹈学生的柔韧度、速度和爆发力的增强与提高具有重要作用。如果钢琴伴奏者选用速度缓慢、节奏不清晰地音乐与大踢腿配合，学生就很难达到大踢腿的训练目的。然而钢琴伴奏者选用强劲有力、节奏鲜明的音乐与之配合，就能很好的使学生完成动作，体会动作要领，促进中国古典舞基训课的教学效果。同时在钢琴伴奏者弹奏音乐时也应结合动作的特点采用相应的伴奏技法。大踢腿采用进行曲、节奏坚定有力。右手弹出纯八度音域配以和弦，左手以纯八度音程和三和弦结合，奏出饱满和谐的音响。弹奏时要富于激情，朝气蓬勃。如果钢琴伴奏者采用缓慢、抒情的音乐弹奏技法则会影响大踢腿动作的性质和教学效果。所以，钢琴伴奏的好坏可以直接影响中国古典舞基训课的教学效果。
（二）钢琴伴奏与中国古典舞基训协调统一能促进课堂气氛。科学有效的营造课堂气氛也是教学方法中的一门艺术。课堂气氛是教学过程中不可缺少的组成部分，对教学计划顺利完成和对教学质量、教学效率的提高起着重要作用。课堂组织的优化准则是课堂气氛符合舞蹈教学的需要，充分调动学生的主观能动性，教学计划组织严谨，教学时间的科学合理利用，掌握学生心理和学习能力，教学手段、方法、措施的选择合理的运用，达到最佳的“教”与“学”的状态。在新授课上，学生对学习新动作会产生一定的兴趣，然而动作都是经过一个星期或几个星期的训练才能达到一定水平，学生在重复练习此动作过程中会觉得枯燥、乏味。如果钢琴伴奏者能一个星期或两个星期变换一次音乐则令课堂形成耳目一新的音乐气氛，使学生在轻松多变的音乐启迪下，通过同一动作的反复练习掌握中国古典舞基训动作要领。这样，不仅能调动学生积极性，而且能调动课堂气氛，起到事半功倍的效果。
那么钢琴伴奏者在中国古典舞基训教学课堂中如何配合舞蹈教师共同参与教学，充分发挥辅助教学的作用呢？笔者认为应从以下四方面入手：
一、要掌握中国古典舞基训动作的特点和规律
中国古典舞基训本身有着极其复杂的呼吸及舞句，在舞蹈动作中，动作的开始、停止或停止后又开始时，都有一个起始动作，要求伴奏者按照舞蹈的呼吸，在学生迈出第一步的同时给予音乐，而不能像弹器乐伴奏那样，谱内写几拍就弹几拍。并且当一个动作反复做几遍时，伴奏也得反复弹几遍，此时曲调虽不变，但调性则可以灵活多变。要想灵活的使用乐曲，使动作与音乐协调配合，钢琴奏者必须十分熟悉中国古典舞基训动作规律。
各个基训动作有不同的力度变化特点，从而形成了特定的训练目的。这就要求伴奏者应为训练者提供与动作发力特点相一致的伴奏音乐，在伴奏时运用不同的力度和情绪的变化来体现中国古典舞基训动作的特征。特别指出的是，有些动作从表面看风格情绪属同一种类型，但因训练的目的不同，其训练内容在实质上有较大差异。如“蹲”和“腰”这两个动作，从乐谱上分析，两者的旋律走向都比较平稳，伴奏大致类似，速度都是慢的，但两者的训练目的和发力特点却大不一样。“蹲”的训练目的是为“跳跃”创造有利条件，通过该动作的训练使腿部肌肉力量增强，这样才能在“跳跃”时跳得更高，在空中停留的时间更长，从而使在空中的造型完美。因而，在做“蹲”的练习时需要有一种内在的对抗性力量，即腿本身不愿意弯曲，有一股力量强迫腿往下蹲，训练者立起时上身好像压着一副担子，腿部须用很大的力量才能推得起来。为体现这个动作的特点，伴奏音乐应柔中有刚。在弹“蹲”的伴奏时，手指触键的力度应大于速度，这样才易于弹奏出饱满结实并充满内在力量的伴奏音乐来。当训练者下蹲和立起时，伴奏音乐的力度应由弱到强不断地往上推，逐渐地加大力度，进行之中有一定力度的对比。而“腰”的训练目的是为训练者掌握繁难舞姿和技巧奠定基础。通过“腰”的动作练习增强学生腰部的柔韧性和灵活性，即腰部韧带的伸缩性和腰部肌肉的弹性。有很多动作都是以腰为主的动作，如“风火轮”“紫金冠”“探海翻身”等。“腰”的动作练习以伸展和收缩为主，动作过程的速度要均匀，幅度要适宜，不能有顿挫和上下起伏。在弹“腰”的动作伴奏时，手指触键角度应稍平，以使手指的触键面更宽，这样才较易于弹出柔和圆韵的音色来；右手旋律部分应流畅自如，左手伴奏部分也要轻柔连贯，旋律的走向以平稳为主。除甩腰之外，没有明显的强弱力度对比，整个伴奏音乐充满轻松愉悦。对钢琴伴奏者来说，只有对中国古典舞基训动作的力度变化作出正确的判断，才能使自己的伴奏有机地融入中国古典舞基训动作之中。因此，钢琴伴奏者必须善于感觉中国古典舞基训动作的风格和规格，增强钢琴伴奏的艺术表现力，从而不断提高钢琴伴奏技能。
二、要与舞蹈老师亲密合作
在中国古典舞基训教学过程中，钢琴伴奏者应及时而正确地理解舞蹈老师伴奏的要求，是非常重要的。因为，舞蹈老师往往只能对伴奏音乐提出大致的要求，由于老师们在舞蹈、音乐等方面的素养及个性习惯各不相同，往往同一个要求，出自不同老师之口，其意思则相差甚远。同时，舞蹈老师往往仅从中国古典舞基训训练的角度去考虑问题，在对伴奏提出的要求中难免有与音乐规范不相符合之处。例如，当学生在做某个有一定难度的动作时，由于学生能力有限或对动作不熟悉，而使训练遇到困难。为使学生能顺利地完成动作或把动作做得更完美，舞蹈老师要求伴奏者在某个乐节处放慢速度或作短暂停顿；伴奏者当然必须按照舞蹈老师的要求对音乐做特殊的处理，以使学生能顺利完成该动作的练习。除了按照舞蹈老师的要求进行现场伴奏外，伴奏者还要注意配合舞蹈老师对学生，特别是对缺乏音乐理解力以及节奏感差的学生耐心地进行音乐的启发和辅导，使学生体会伴奏音乐的节奏和速度，以提高中国古典舞基训教学的效果。
三、要使音乐与学生的动作协调配合
中国古典舞基训钢琴伴奏比较难于把握的是与学生动作在节奏速度方面的协调配合。伴奏的速度过快，学生做动作则匆匆忙忙，动作做不到位；伴奏速度过慢，学生兴奋不起来，有劲儿使不上。这两种情况都影响中国古典舞基训训练的教学质量。钢琴伴奏与学生动作训练在节奏和速度上如何实现协调统一？首先，钢琴伴奏者应了解各个动作训练的特点和规律，弄清楚在学生能力增强后哪些动作会逐渐加快，哪些动作会逐渐放慢。其次，钢琴伴奏者要在教学实践中不断地总结经验，提高自己对学生动作速度的判断力。所以，钢琴伴奏的速度与中国古典舞基训动作的节奏合得上并不一定就是最佳伴奏速度。为高年级学生伴奏时，只有学生在做动作时显得从容自如，与此同时还能充分地顾及表演和造型，并能通过动作表达一定的思想感情，这才是最适宜的伴奏速度。因为，只有当伴奏音乐和中国古典舞基训动作两者之间的节奏完全吻合，有机统一，才能使集体动作达到整齐划一，才能使他们通过中国古典舞基训动作表达音乐的思想感情。
四、要注意伴奏曲目的储备和较强的即兴伴奏能力
中国古典舞基训课内容非常丰富，要求钢琴伴奏者拥有大量的曲目储备，能根据教学的需要、动作情绪的需要弹奏相应的伴奏曲目。另一方面，由于曲目数量有限，使钢琴伴奏者反复地使用相同的作品，这样很容易使学生产生音乐上的厌倦感，从而大大降低音乐本身对舞蹈专业学生的听觉刺激，难以调动学生的表现力和积极性。我们可以将传统的、过于陈旧、缺乏时代感的基训课伴奏乐曲或综习曲适量适时地进行更换，大量地收集不同类型且尽量是学生们比较喜好的伴奏乐曲或练习曲。经过作品剪辑后用在中国古典舞基训课的组合中，效果倍佳。
[关键词]欧洲音乐 钢琴演奏 演奏手法 音乐审美
一、引言
钢琴至今已有几百年的历史，最初的钢琴只是一部可以改变力度的键盘乐器，其前身是拨弦古钢琴。1709年，Bartolomeo Cristofori以拨弦古钢琴为原型制作出了第一架具有强弱音变化的古钢琴，使钢琴具有了可以通过手指触键来控制声音变化的特性，富有更强的音乐表现能力。到18世纪中叶，人们对钢琴的制作工艺进行了革新，增加了音量和连续演奏能力，护展了音域，并改善了钢琴的机械装置，使钢琴具有更为完善的演奏性能。19世纪，钢琴几经改良，登上了“乐器之王”的宝座。
钢琴的起源和发展都处于欧洲，其演奏手法受到欧洲音乐发展和审美观念的决定性影响，虽然现在钢琴在全球普及，演奏手法也在全球文化的影响下得到了不少改变，但依然具有很深的痕迹。自中世纪以来，欧洲地区的意识形态一直烙印着基督教的色彩，其音乐文化也是如此。欧洲音乐深受基督教文化影响，使钢琴演奏手法具有一种粗犷、张扬、变幻、刺激的色彩。
二、欧洲音乐的发展历程
要说欧洲音乐的审美观，我们不能不从欧洲音乐的发展史说起。欧洲音乐的发展历程，既是一部音乐的发展历史，也是欧洲文化行走的历程，在其发展过程中，每一个独特音乐作品的诞生，每一个新兴流派的崛起，对后世的音乐文化都有着极深的影响。由于欧洲音乐自起源之日起即受宗教文化的束缚，在其整个发展过程中留下了很深的基督教的烙印，音乐特色、演奏乐器、技巧手法等方面，都有着浓厚的宗教文化气氛。
1、古希腊、罗马时期的欧洲音乐——地中海呤唱的诗歌
虽然古希腊、罗马时期的音乐由于年代久远大多已经失传，但这一时期的音乐对后来欧洲音乐的发展有着极为重要的启发作用。其中，《荷马史诗》可以说是欧洲音乐最早的文献，这一时期的音乐诞生于文学，与文学相连，其抒情诗与我国古代的《诗经》有些相似，是属于一种民歌的形态。当时的主要乐器有弦乐器和管乐器。后来的欧洲歌剧则起源于这一时期的希腊悲喜剧。
2、中世纪时期的欧洲音乐——教廷里回荡的圣咏
中世纪时期，由于基督教在欧洲地区的绝对统治地位，整个欧洲的意识领域和艺术形态都受到基督教的影响，而欧洲正统的音乐形式也在这一时期起源。这一时期的音乐，以教堂音乐为主，其中占主导地位的是格里高利圣咏和安布罗西圣咏。尤其是格里高利圣咏，其歌词完全来源于《圣经》，是一种单旋律不用伴奏的音乐形式，被广泛运用于教堂的各种仪式之中。
3、文艺复兴时期的欧洲音乐——人文主义精神的咏叹
十四、十五世纪时期，罗马教廷的威信开始衰落，同时欧洲一些地区如意大利等日益繁荣，原有的以教堂圣咏为主的音乐形式已经不能满足人们对艺术的需求，迫切需要摆脱教会束缚的音乐产生。在1450年，一批被称为“法兰德斯乐派”的音乐家聚集在勃艮第宫廷之中，使用一些改进的弦乐器进行演奏，音乐内容也从教廷圣咏向反映世俗生活发展，包含了世众的情感和内容。
4、巴洛克时代的欧洲音乐——荒谬思想融汇的音乐
巴洛克时代是欧洲音乐大发展的时代，在这一时期，大量的音乐形式，如歌剧、协奏剧、奏鸣曲等产生，涌现了一大批著名的音乐家，其音乐风格结构严谨，曲调宏伟，对后世欧洲音乐发展有巨大影响。键盘乐器如克拉维科德、哈普西科德在这一时期大量运用，是现代钢琴在这一时期得到发展的灵感和根源。这一时期的著名音乐家包括巴赫、蒙特威尔第、斯卡拉蒂、享德尔等，尤其是巴赫，先后创作了两部《平均律钢琴曲集》，其对键盘乐器的指法体系为后人普遍采纳，并且沿用至今。
5、古典时期的欧洲音乐——维也纳古典乐派的主调
1750年至1827年间，受资产阶级启蒙运动和资产阶级大革命的影响，欧洲音乐更倾向于自由、民主，开始着重体现普通民众的精神面貌，而勇于摆脱教会和封建宫廷的束缚。这一阶段的音乐结构严谨、形式完美，曲风淳朴、严肃、崇尚理性，主调明快、自然。这一阶段的音乐名家包括海顿、莫扎特、贝多芬等，他们以其精湛的音乐技艺，引领了这一时期的潮流，也对后世欧洲音乐产生了深远的影响。
6、浪漫主义时期的欧洲音乐——内心自我感情的抒发
由于贝多芬的逝世，欧洲音乐于1827年结束了维也纳古典乐派的统治，在欧洲文化浪漫主义潮流的洗礼下，音乐家开始倾注于把音乐作为抒发自我感情的手段，演奏家也多以华丽的炫技手法表现内心情感。这一阶段的音乐风格开始变得多样化，如门德尔松首创的无词歌、李斯特首创的交响诗、舒伯特创作的艺术歌曲等等。钢琴在这一时期开始更进一步普及。
7、二十世纪至今——多元化发展的乐章
二十世纪至今，经济和科技的高速发展，电子合成器等新技术的大量运用，为音乐家提供了新的武器，欧洲音乐开始向多元化方向发展。这一时期的音乐是一个复杂的矛盾集合体，交织着政治的进步与倒退，思想的充实与虚荣，艺术形式上也混杂了完美与杂乱，这种错综复杂的情况成了现代欧洲音乐的一个特色。
三、对钢琴演奏技法的影响
现代钢琴的起源，已有近三百年历史。钢琴在最初并不为人们所重视，第一个推广钢琴的是作曲家兼演奏家巴哈，他谱写了一些钢琴鸣奏曲和协奏曲。到18世纪初，拨弦古钢琴被音量洪大的钢琴所替代。1789年，莫扎特和克莱门蒂在维也纳奥国田一的王宫里，举行了世界上第一次钢琴演奏比赛，提高了钢琴在乐器中的地位。在钢琴发展的近三百年间，钢琴的演奏技巧，也在不断地发生着变化，产生了众多流派。钢琴的演奏，是为了诠释作曲家蕴含于音乐中的思想。在钢琴艺术发展的不同阶段，其演奏手法存在着极大的风格差异。
1、巴洛克风格演奏技法
巴洛克时期，钢琴音乐得到了迅速的发展。这一时期的钢琴作品以宗教性质的复调性古钢琴音乐为主，其中以巴赫和亨德尔的音乐作品最为出色。作为宫廷享受的艺术并没有脱离民众生活，依然拥有浓厚的生活气息，其材料主要来源于民间的歌曲或舞曲，作品风格以精致、文雅为主，没有深刻的思想内涵。复调性钢琴音乐表现多重性旋律，使得这一时期的钢琴在演奏上讲究旋律歌唱性、结构均衡性和表现手法即兴性。在演奏时，手指弹奏轻快简捷，动作轻盈，手部动作灵巧。
2、古典主义风格演奏技法
1750年至1827年间产生的古典主义音乐创作风格，在欧洲音乐发展史上占据了重要的地位。古典主义风格是在巴洛克音乐的基础上形成的，以维也纳为中心的欧洲音乐群落。这一时期的音乐，主要特征是以主调音乐取代了复调音乐，音乐作品开始建立起完整的作品结构体系和声调创作框架，人文主义精神成为这一阶段的音乐主题。古典主义前期的音乐创作，由于还继承了大量巴洛克风格音乐的特色，其音乐主要是清新、明朗的音乐语言，音乐整体结构较为严谨。这一时期的钢琴演奏技法，要求演奏者在演奏时，要表现出优雅的气质、准确的控制、流畅的旋律、灵敏的触键。
在古典主义前期，钢琴演奏风格上，无论是巴赫还是海顿、莫扎特等，都将钢琴演奏的重心放在了手指上面，力求流露出平和优雅的风格特点。随着一代音乐巨匠贝多芬的成长，古典主义音乐进入后古典主义发展时代，形成了涵盖时代性、英雄性、思想性的后古典主义音乐风格。贝多芬扩充了键盘演奏音域范围并加以运用，使用大量结构较大的和声从而改进了钢琴音乐的演奏效果，其节奏的交替和旋律强弱的变化都要求钢琴演奏技法做出相应改变，其演奏技法在保持古典主义前期演奏风格的基础上，将手臂的力量运用到钢琴演奏之中，使得钢琴音乐具有了更为鲜明的旋律变化。
3、浪漫主义风格演奏技法
由舒伯特、李斯特、肖邦等一批音乐家引领的浪漫主义风格时期，是欧洲音乐的一个辉煌时代。由于众多音乐家的不断创作和探索，音乐无论是在结构、效果，还是在蕴含的情感意识等方面，都产生了质的变化，出现了许多新的钢琴演奏手法，极大地丰富了钢琴音乐的内涵。尤其代表人物肖邦，其作品具有很强的即兴性和较高的技巧性，原有的演奏手法已经不能满足其作品的表现力和技巧性要求。肖邦提出了加强手臂力量的使用训练方法，打破了原来的手指演奏排列，提出了新的演奏技术，使钢琴演奏更灵活，更实用。“钢琴狂人”李斯特对肖邦的演奏技巧又进一步改变，确立了“手臂重量弹奏”的方法，使钢琴演奏因而更具表演性和技巧性，手臂的力量得到了丰富的运用和施展。超八度扩张大音程和弦、托卡塔式两手交叉、远距离跨动等超常规演奏被发掘出来。
4、现代主义风格演奏技法
自进入二十世纪之后，钢琴音乐的创作开始多元化方向发展，出现了纷乱迷惘的迹象，钢琴演奏技巧也有了大量的改变。如手指的运用上用“打击”取代了“颗粒”演奏，手指和手臂运用更加随意，常出现不可思议的指法甚至是拍键、手臂滚键等，以表现杂乱的钢琴演奏风格。刮奏、拨弦、拉弦等演奏方法，扩大了钢琴演奏的涵盖范围。
四、结语
钢琴自出现以来，其演奏技法一直受欧洲音乐发展各时期特色的影响，受欧洲音乐审美观的影响。在作品风格的影响下，钢琴演奏技法从最初的简单运指弹奏技法，发展到现今的趋向于指力演奏法和重量演奏法的融合，努力做到以最简练的动作和技术达到最佳的效果。钢琴演奏技法，是为了表现钢琴音乐作品的特点而运用的弹奏方法，是为了附合欧洲音乐审美观而形成的弹奏方法，在不同的时代，不同的音乐氛围，其演奏技法必然有着不同的风格。
参考文献
[1]克拉伦斯·格·汉密尔顿，《钢琴演奏中的触键与表情》[M]，人民音乐出版社1995
[2]陈华，陈旭，论现代钢琴演奏学派的形成和发展[J]艺术探索，2009年06期
爵士乐是一种不可思议的音乐。它介于古典音乐、小众音乐和流行大众音乐之间，其内涵极为宽广且勇于创新，擅于吸收不同音乐风格并内化为自己的音乐语言，多元文化的融合在其中体现得尤为突出；它的和声、节奏纷繁复杂，却有着比现代先锋音乐更多的听众；它的很多精髓并不体现在纸面上，而是要求演奏者即兴进入到音乐中去……这都是爵士钢琴独具魅力之处。在爵士钢琴中，音乐的三大要素不断发展，即兴与互动是其精髓、无拘无束个性的张扬。较之与古典钢琴音乐，爵士钢琴与生俱来的平民化血统使它更加贴近大众，饭馆酒吧处处可闻其声；与摇滚乐等当代流行音乐相比，爵士钢琴又似乎有着更为深邃的情感，以及更为蕴蓄与深沉的表现形式，或重拍如磐，或轻摇款摆，自有醉人妙处……爵士钢琴音乐——比古典钢琴音乐“俗”，比流行音乐“雅”，这种寓雅于俗、以俗见雅的“中间化”特点，使得它能轻易罗致包括众多古典钢琴音乐迷和流行音乐迷在内的广大受众。
爵士钢琴演奏关键在于即兴技巧和风格的把握，对于受过良好传统钢琴演奏训练的人来说，并不一定能弹好一首爵士钢琴风或是一首“拉格泰姆”钢琴曲，爵士钢琴即兴演奏需要一定的理论和大量的实践积累作基础。实际上“爵士钢琴”并非爵士音乐，而是通过各种实例让学生由简入繁、循序渐进，练习和掌握各种风格的节奏音型。从而在最短的时间内，左右手巧妙配合，演奏自己喜爱乐曲的一种方法。这更像一种系统地教授即兴伴奏的课程。
二
爵士钢琴音乐，随着国内外爵士钢琴交流活动的日益频繁，其教学、演奏水平提高到一个新的高度，关于教学和演奏的理论研究逐渐得到人们的重视。
此外，台湾的蔡佩志在厦门开设了普罗琴行，自编教材教授爵士钢琴。主要教材有：《百乐盟爵士钢琴教材》（4册）、《蓝调变奏曲》、《即兴演奏变奏曲》等。
《新奥尔良》是一首进行曲，主旋律中已经出现了较多的切分节奏，而第二段则是对主旋律的加花变奏。这种强调切分节奏和运用音阶中的变化半音的即兴变奏方式成为此后爵士乐进一步发展的基础。
《新奥尔良》主题旋律
《新奥尔良》的变奏旋律
拉格泰姆音乐的风格和演奏特点，对于掌握爵士钢琴演奏中细腻灵活、富有弹性的节奏感是非常重要的。大部分的拉格泰姆都是由作曲家专门创作的，也有不少是经作曲家改编而成。
《849拉格》片段
布吉乌吉的结构也是“12小节布鲁斯”，但在演奏方式上有其独特之处：通常是用左手弹奏出持续单调的8分音符的低音伴奏音型，音响嘈杂有力，具有打击乐般的效果；右手则比较轻松自由，节奏活泼而富于变化，与左手形成对比。
《布基》第一个序列，像是引子
此外，摇摆乐中的“摇摆节奏”， 就是在演奏时，要把乐谱中的平均八分音符弹成摇摆八分音符三连音。
三
古语有云：“乐为心声，器为心物”；“音者有魂，乐者依心，音由心出，是为至乐”。20世纪的中国钢琴音乐教育，伴随着西方音乐的传入而逐步发展起来的。不论是教学方法，还是教学内容，都是以西方古典钢琴音乐为蓝本，较少涉及爵士钢琴作品。从学校音乐欣赏来看，高中音乐欣赏教材已加入了“爵士乐”（爵士钢琴）内容，完善了传统音乐欣赏教学内容的不足。在音乐本科教育阶段，随着世界民族音乐课程的开设，许多与爵士钢琴相关的内容得到了补足。遗憾的是，目前我国的专业音乐院校中基本没有系统规范的爵士钢琴演奏的教学，爵士钢琴教师更是稀缺，学习渠道不畅，特别是大部分想学习爵士钢琴的人多是职业音乐工作者或教师，他们不大可能脱产投奔散落在某些城市中的爵士钢琴教师或民办音乐学校进行学习。反观上述教材，里面充斥着风靡世界的流行音乐元素，各类民俗歌曲；他们将乐理、和声理论由浅入深地渗透到每首乐曲之中，伴奏可以是简单的柱式和弦，也可变化为各种分解和弦、转位和弦，甚至再变化成华尔兹、摇摆、恰恰等各种节奏音型；通过一首乐曲采用不同的和声织体和伴奏音型，就会让乐曲产生出很多变化，让人们一弹就非常喜爱、爱不释手。学生可以根据自己的认知水平和演奏能力，参与到音乐的创作中去。仿佛周游列国，从中领略到不同的民族风情，让学生感受到创作的乐趣。以此思考中国风格爵士钢琴走向何方，至少有以下几点启发：
其一，反思传统的钢琴教学。传统的钢琴教学，特别是针对孩子和成年人的业余钢琴教学，多是为学生考级而教。国内基本上还是采用专业院校所用的传统的教学方法和教材。不断出版的教材中，虽然也加入一些诸如各种风格、各种流派的音乐作品，愿望是让学生了解的更多，学习的更多。此外，几乎把所有的学生都当作音乐家来培养是一种误区。教师要求学生无论弹奏古典主义乐曲、浪漫派乐曲，还是现代派作家的作品，都得弹奏的原汁原味，一丝不苟。然而，很少关注学生的个性化发展，让学生弹奏喜闻乐见的音乐作品。导致许多考过钢琴十级的学生，面对一首简单的儿歌而不知所措。
其二，注重脑力开发和自由即兴。他们的教材和教法，又为我们的钢琴教学特别是业余钢琴教学打开了一扇大门。可以吸收其精华为我所用，为普及钢琴教育而努力。因为，毕竟许多人学习钢琴并不是想成为钢琴家，而是自娱自乐、休闲时尚。
参考文献:
1. 陈俊宇编：《爵士钢琴伴奏大全》，台湾立谊出版社2006年版。
2. 周 薇：《西方钢琴艺术史》，上海文艺出版社2003年版。
3. 杨成刚：《爵士钢琴改编曲：音乐会曲目和教材的新选择》，载于《音乐探索》2003年第2期。
4. 武旭峰：《浅谈现代爵士钢琴音乐及其在中国的现状》，载于《黄河之声》2008年第19期。
5. 杨时：《中国爵士乐的双城记》，载于《中国新闻周刊》2008年第23期。
6. 苑 请：《爵士乐走进中国——中西融合》，载于《才智》2009年第14期。
[关键词] 勃拉姆斯 音乐作品 民族性 启示
约翰·勃拉姆斯是19世纪下半叶伟大的作曲家之一。这一时期，德国严峻的社会现状和浪漫主义思潮冲击着古典艺术传统，在这种情况下，勃拉姆斯坚持在创作中继承和发扬德奥古典主义传统，坚定地保持和发扬了民族民间音乐并不断发展创新，使他逐渐形成自己独特音乐创作风格。在他的钢琴音乐中，通过对其他民族民间性元素的吸收以及对本国民族性底色的强化，造就出勃拉姆斯鲜明的民族性风格。
一、 彰显民族气质的钢琴音乐作品
勃拉姆斯钢琴作品显现出强烈的民族性格。德奥古典主义传统和民族民间音乐是建立在勃拉姆斯作品中民族性的两块基石。一方面，勃拉姆斯是一位追求古典主义精神的作曲家，具有典型德意志民族中严谨、自律、稳重、深刻、内敛盛于外表的性格特性。且巴赫、贝多芬等德奥古典音乐先驱对他音乐创作艺术的启迪与影响，使他最终将自己的艺术精神深深地扎根于德国传统音乐文化土壤之中。另一方面，由于对民族民间音乐的热爱，他一直专心热衷于从事对本土民歌的研究和收集编纂工作，由此而创作的众多德国民谣作品，充分体现了勃拉姆斯对本土民族文化艺术和民族音乐的深厚感情。古典主义和民族民间音乐这两块基石缺一不可，无论少了哪一块都无法形成他所特有的音乐品质。
勃拉姆斯钢琴作品的民族性主要体现在两个方面：
1.对本民族音乐的传承。勃拉姆斯深受德国本民族音乐的影响，吸取了德国早期宗教音乐如众赞歌等音乐的优秀传统，加上对巴赫、贝多芬、舒曼等前辈音乐家的学习，使他的作品散发出浓厚的德意志民族气质；
2.广泛吸收其他民族的音乐特点。勃拉姆斯钢琴作品中的民族性不仅包括本民族的音乐，还体现在对其他民族优秀音乐文化的吸收和借鉴。他创作的多首匈牙利风格的作品皆展现了其民族性的另一方面。
二、勃拉姆斯音乐作品对我国民族性钢琴作品的启示
对民族民间音乐的借鉴成为了勃拉姆斯作品中民族性的一个重要体现，这些因素构成了勃拉姆斯钢琴音乐的主要特点，对于我国钢琴作品也有着重要启示：
1、扎根于民族传统音乐文化
勃拉姆斯的钢琴音乐成功的主要原因之一，就是建立在对本民族音乐的充分肯定与继承之上，其作品都是在吸收和借鉴民族民间音乐素材的基础上创作出来的，它们充满了德意志民族特有的民族情感及民族精神，形成具有独特艺术内涵的世界性的钢琴作品。我国有着悠久而博大精深的文化传统，有着丰富多彩的民族音乐以及音乐文化，无论是古曲、民乐，还是民歌，都是我国传统音乐的重要组成部份，都是以不同的形式展现着中国音乐文化的魅力。因此，中国钢琴作品应该从本民族传统的音乐文化中获得新的灵感，汲取新的养分，用本时代的音乐理念对民族音乐文化进行深度挖掘，用钢琴这样一件西洋乐器来展现我国的民族精神，体现民族情感与民族风格。
2、深入学习民族民间音乐
我国民族众多，其音乐和乐器以品种多样著称于世，拥有大量风格各异的音乐作品。这些宝贵的音乐财富对于我们了解民族音乐语言、把握民族音乐风格都具有极大价值。中国钢琴音乐创作已经走过了半个多世纪的路程，许多作曲家将钢琴音乐创作与来自民间源于生活的民族民间音乐相结合，做到了民族的题材与风格、内容与形式的完美结合。如根据同名唢呐曲改编的钢琴曲《百鸟朝凤》、同名古琴曲改编的钢琴曲《梅花三弄》等，这些作品都间接体现了中国民族民间音乐，表现出强烈的民族色彩，体现出浓郁的中国韵味，深化了传统音乐的意境。尽管出现过许多优秀的钢琴作品，但这些作品依然不足以将我国悠久的历史和灿烂的多民族文化淋漓精致的表现出来，因此，我们要重视民族民间音乐的学习，这将有助于我国民族钢琴音乐创作的发展。
3、广泛吸收多元文化，大胆创新
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