现代陶艺教学便立足于当代艺术大文化语境的范畴和多元化共存的理念，而且现代陶瓷艺术本身也代表了当代艺术的发展趋势。中国现代陶瓷艺术是指从1985年之后所产生和发展的陶瓷艺术思想、观念、理论，以及相应的陶瓷艺术创作。这一时限的划分也是为了确定陶瓷艺术的科学与理论建立和发展的特殊性。研究现代陶瓷艺术必须放在中国当代艺术发展的情景中考虑，进入20世纪后，随着各种现代主义的艺术思潮涌入国内，我国的当代艺术也迅速发展起来，各种新的艺术观念、艺术形式也随之进入到学院中。一些具有前卫色彩的艺术现象和艺术观念在学院的知识系统中被加以归纳与吸收，成为新的教学资源，为学院教育的发展提供了新的动力。
现代陶瓷艺术是依托传统专业，根据社会需要，在原有专业基础上衍生、拓展出来的。在教学上，秉承“融合创造”的学术理念，以融合中西方艺术精华，创造新的艺术表达方式为宗旨，在教学体系中突破只以传统陶瓷艺术为陶瓷艺术教学的界限。
由于传统陶瓷教育的话语系统相对稳定，使其开放性不够，不能及时迅速地获取当代艺术文化中具有先锋性、实验性的视觉经验，对于现代陶瓷缺乏足够的归纳能力。传统的陶瓷艺术教学多重视陶瓷艺术的技能培养，忽略了对学生的艺术理论知识培养以及进行现代陶瓷艺术大环境的信息渗透及其他艺术形式的交叉渗透，因此整个教学呆板而缺乏活力。艺术发展的多元化趋向，对中国现代陶瓷艺术教育的传统思维提出挑战，现代陶艺教育必须从教学职能到教育方式发生根本的改变，最重要的是转变教育观念。而观念的转变就不得不借鉴当代艺术理念，现代陶瓷艺术教育虽然不是当代艺术的形式，但是当代艺术教育是有可能将其语言方式和思维理念提炼出来的。
因此在当代艺术语境下，现代陶瓷艺术教学必须及时地吸收借鉴当代艺术中的优秀成果，并将其观念纳入到现代陶艺教学系统中来，现代陶艺的教学才不会与当代艺术发展的进程隔离开来，才能达到培养具有时代前瞻性的人才这一目标，这也正是当代艺术院校教学的前沿课题。现代陶艺教学与当代艺术语境的共同特性，这里简单归纳了以下几点：
第一，人文特性与关注现实。现代陶瓷艺术本来就是当下的艺术活动，“现代陶艺”的语汇是一种约定俗成的现象，是用于同传统陶瓷艺术区别的语言状态。现代陶艺的界定：它是艺术家借助陶瓷材料，或以陶瓷材料为主要创作媒体，远离传统实用性质的观照，表现现代人的理想、个性、情感、心理、意识和审美价值的作品形式。这种审美价值重视挖掘的主要不是客观世界，而是现代社会中人的内心世界。重视新的表现方法和新的表现形式，将暗示、隐喻、象征、联想、意象等手法视觉化，表现人的意识的流动和对这个世界和社会的多种认知。而现代陶艺教育的这种人文特性正与当代艺术关心社会现实的特性相契合。
第二，创造性的思维模式。传统陶艺是历来陶瓷工匠集体智慧的结晶，而现代陶艺创作却是作为个体的陶艺家的独立创造。传统陶艺多以实用为目的，注重技术性且有着严格的分工及规范，但远不及现代陶艺创造主体的自由发挥。现代陶艺教学注重在此基础上不仅从外观改变了陶艺的审美形象，而且在功能上走向一种纯粹的艺术创造，将陶瓷作为现代艺术实现的媒介，它创造的不再是传统意义上的艺术化的“瓶罐”，并将崇尚精致、规整、对称的古典陶瓷审美趣味转向随意自由、更富想象、更具人文精神的方向发展。现代陶瓷艺术教学中的创造性思维能力是现代陶艺者必需的素质，同时也是当代艺术创作的关键。
第三，对综合素质的培养与要求。当代学院教育为了更好适应社会发展的要求，提出培养复合型人才的目标。在意识形态的强大作用力之下，现代陶艺教学对西方当代绘画、雕塑等视觉艺术语言进行了学习研究，并结合对传统陶艺形式的研究继承。这种结合包括两方面的内容：一是传统陶艺的诸多造型因素，如造型、釉色、烧成等陶瓷语言要素，在长期的时间和研习中，对陶艺的认识日趋完善深入，逐步形成体系；二是培养的学生必须具备着眼于国际性的现代陶瓷艺术理论与实践整体学术水平的学习能力。现代陶艺教学塑造出了具有鲜明时代特色的艺术形象和文化符号。在今天看来，这种现代陶瓷艺术语言发展过程，对国内的现在陶艺教学影响深远。
同时，在当代艺术语境下，艺术教育在面对当代性问题时，应当保持着与社会艺术交流活动相平行的秩序，不断反思新的教育方式与创作实践。现代陶瓷艺术教育也在逐渐显露出一些不可忽视的问题：
首先，追求个人表现性的陶艺。由于当代艺术的偏向问题，学生对现代陶艺创作的兴趣完全集中于个人表现方面。作为个人创作这无可厚非，但当大多数学生都以此为时尚，而不顾及陶艺创作与生活、与生产、与社会之间的联系，其结果会导致现代陶艺发展的路越走越窄，使现代陶艺日益成为与大众无关、与生活无关，而成为少数人孤芳自赏的东西。我国现代陶艺教育和侧重点与国外有所不同，进一步加强学生对陶艺本体表现的语言、方式、原材料的运用和训练等，显得十分重要。
其次，目前的现代陶艺教育，过多地关注西方，忽视了东方陶艺的传统，使陶艺学生盲目地崇拜和模仿西方现代陶艺，追求怪异，致使东方的现代陶艺打上了西方现代陶艺的深深烙印，成了西方现代陶艺的翻版，使有悠久陶瓷历史和文化传统的东亚陶艺一直处在西方陶艺的笼罩之下，以至中国的陶艺者做着西方式作品，中国的陶艺展看不出中国现代陶艺的面貌，更缺少东方陶艺应有的文化内涵和艺术品质。
再次，现代陶艺从创作到教育，缺少系统、深入的理论研究和批评，从事研究和批评的理论家少之又少，而陶艺家大都只关心创作，而不关心理论；陶艺教育中缺少关于欣赏、批评及至理论、历史方面的系统课程，致使学生理论素质偏低，对理论和批评不感兴趣。
当代学院以其人文品质和学术传统在当代艺术中占据重要地位，成为当代艺术中的学术高地。当代艺术正处于一个多元并存、飞速变化的时代。关注社会、强调观念、注重创新是它不断强调的主题。面对这一语境，现代陶艺教学应从坚守壁垒到学术过滤，通过陶艺语言自身的学术鉴别和分析，把辨识与解惑的任务摆在前面。当代艺术语境下的现代陶瓷教学体系具有一定的实验色彩，还有很多值得关注的课题，这些课题都将影响现代陶艺未来的发展方向。
参考文献：
1. 白明：《世界现代陶艺漫谈》，载于《世界现代陶艺概览》，江西美术出版社1999年版，第143页。
2. 贾方舟：《中国当代艺术格局中的现代陶艺》，载于《美术文献》2001年第22期，第16页。
3. 陈池瑜：《中国现代美术学史》，黑龙江美术出版社2002年版，第198-201页。
1．健全机构，加强领导安乐小学办学规模不大。为了切实抓好艺术教育工作，安乐小学构建了“全员参与，人人参加”的艺术教育工作网络体系。校长任领导小组组长，亲自筹划发展方向。大队部组织协调各种活动，艺术专职老师具体实施，班主任协助，在全校推行艺术教育，培养学生的艺术细胞核艺术素养。
2．开足艺术课程，确保质量安乐小学只有一名美术专职教师和一名音乐专职教师。为了让艺术教育工作正常开展，学校选取了美术、音乐、书法有特长的刘苑、邝银姬、蓝明旺、罗宇芬、潘彦峰等老师兼任艺术教学工作，最大限度地保证艺术教学工作高效开展。
3．创造条件，提高素质学校为艺术教师搭建学习提高的平台，做好特长教师的培训工作，让他们特长能够持续发展、有效发展。艺术教研组充分发挥了专业优势，共同研究艺术学科。教师之间形成彼此支持，互相学习，共同成长的良好风气。学校积极鼓励和支持艺术教师参加市、镇组织的艺术教研活动，不断提高艺术教师的业务能力。与中山市雍景园学校结对子，帮扶我校艺术教育工作，三位专职教师迅速成长为专业较硬的骨干教师。学校为艺术教师打造展示才艺的舞台，充分发挥特长教师发展的引领作用，为他们开辟用武之地。学校定期举办汇报、会演、竞赛之类的活动，让特长师生脱颖而出。
4．多方筹集，保障经费学校有艺术教育经费，学校的艺教设施不断完善，保证了艺术教育教学工作和艺术活动的正常开展。为了保证经费的顺利投入，通过争取镇宣传文化部门、办学单位、企业老板等支持，多方筹集资金。近年来，投入经费约80万元，聘请专家指导，新建了美术室、书法室、音乐室、舞蹈室，购置了书法台、民乐乐器等大量的配套器材，为开展艺术教育工作提供了物质保障。
二、开展艺术活动，丰富学校文化内涵
学校有计划有组织地开展校内外艺术活动。全体学生都能根据自己的特长和爱好自主选择参加各种艺术活动小组和社团的活动，每周二至周五下午4:30-5:10开展民乐、舞蹈、美术、书法等9个艺术类兴趣小组，业余时间常年坚持合唱、书法、绘画训练，学生的才艺得以锻炼和提高。为了活跃校园艺术氛围，丰富校园艺术文化生活，学校每年都举办艺术节、文艺晚会等全校性的艺术活动。
1．艺术教育独具特色为了进一步培养学生的兴趣和爱好，挖掘学生的潜能，提高孩子的艺术素质。2011年9月，学校正式成立了乐意民族乐团。乐团由四十多名学生组成，有古筝、琵琶、二胡、扬琴、笛子、打击乐等7种传统民族乐器，分为古筝、琵琶、二胡等7个训练班，采取向外聘请专业教师、校内教师跟踪的方法，确保训练质量。经过努力，民乐教育已初见成效。乐意民族乐团参加2012年东凤镇新年音乐会获一等奖，参加镇首届文化艺术节获“银奖”。舞蹈《水开了》、合奏《大中国》参加中山市艺术花会演奏获二等奖。学校重视书法教学，每学期组织书法比赛，指导学生写出一手漂亮的字，接触中国文化艺术之美，传承祖国传统文化。书法班采取了普及与提高相结合的方法。一是全校利用每周一节的书法课指导训练硬笔字、毛笔字。每天利用午休时间进行硬笔字训练，每学期定期组织2次硬笔书法比赛。二是成立了书法兴趣小组，在书法室常年训练。书法兴趣小组培养了许多品学兼优的书法特长生。近年来，我校师生参加市镇书法比赛有多人次获奖。我校的美术教育以培养学生“发现美，创造美”为目标，注重培养学生的审美、创新能力。确定了“线描画”的特色教学，引导学生运用有形材料，学会运用艺术手段去表现美和创造美。在美术老师指导下，学生利用业余时间创作了大量的作品。学生在绘画的世界里徜徉，享受着自己创造的美丽。
2．特色活动蔚然成风学校成立了艺术节组委会，制定了系列活动：歌唱比赛、英语歌谣比赛、书法比赛、书画比赛等。英语歌谣常被运用于英语课堂教学。全校19个兴趣小组，艺术类的兴趣小组就有9个。他们在专任老师的指导下，各项活动开展得有声有色。学校坚持每年都举行“六一”文艺晚会。每年的六一文艺汇演成了孩子们最难忘的时刻，是孩子们期待的梦想。学校为了让孩子们圆梦，在2014年六一国际儿童节来临之际，为了让孩子们在快乐的节日里登上高雅的舞台感受明星般的荣耀，安乐小学在东凤镇文体中心大剧院举行了“七彩童年，放飞梦想”庆六一文艺汇演晚会。本次文艺汇演节目丰富，形式多样，彰显了新一代少年儿童的飞扬个性。晚会取得圆满成功，得到社会各界的高度评价。
三、营造校园艺术氛围，改变家长教育观念
关键词：高校；美术教学；现代艺术
在以往的高校美术教学中，现代艺术在部分学校没有得到足够的重视。这些学校在传统美术教育上投入了较多的资源，但是对传统美术教育与现代美术教育的融合不够深入。现代艺术的种类较多，且形式多样，是美术在现代社会的延伸，是创作者思想、追求的表现。现代艺术和高校美术教学有一定的内在联系，在教学的过程中应当得到足够的重视。
一、高校美术教学和中国现代艺术的异同
1.高校美术教学的传统文化特点
当今，很多高校设有现代艺术专业，并且有一批积极进取的教师和学生在现代艺术方面进行了深入的研究。经过多年的实践和探索，高校现代艺术教学体系越来越完善。就高校美术教学和现代艺术的异同点来说，人们首先应当认识到，高校美术教学源自传统文化，高校美术教学的表现形式在很大程度上来自民间文化，很多教学活动取材于民间文化活动。如，有些高校的美术教学包括风筝、剪纸等内容，都是我国民间文化的典型代表。随着时间的推移，高校美术教学虽然越来越现代化，但是传统艺术的印记依然存在，这正是高校美术教学的魅力。其次，高校美术教学扎根于日常生活。通过对历史的追溯可以发现，各种美术作品在诞生之初，目的往往都是记录日常生活。美术作品包含人类对于现实生活的认知，承载着人们对于美好生活的向往[1]。高校美术教学对于学生精神、审美方面的培养越来越重视，在传授学生美术作品创作技法的同时，教师要让他们的人生观、价值观朝着正确的方向发展，让学生对于生活有更加全面的认识。最后，高校美术教学和现代艺术的融合也是时展的需要。高校美术教学在培养学生创作能力的同时，也在顺应时代的发展。而时代的发展对学生提出了更严格、全面的要求。学生不仅要具有美术方面的相关能力，而且要拥有博爱的思想，有追求美好生活的强烈渴望，这也是当今高校美术教学需要完成的教学任务。在高校美术教学和现代艺术融合的过程中，这些教学目标会逐渐实现，进而让学生成长为满足社会需要的人才。
2.现代艺术的表现形式和特点
首先，现代艺术来自社会实践，是在社会实践的基础上生发而来的。现代艺术作品不仅要表现创作者的思想、情感，而且要迎合受众的兴趣。因此可以说，现代艺术具有较强的实践性。其次，现代艺术的进步对于经济的发展具有一定的促进作用。由于人们的审美是不断变化的，伴随艺术的发展，相应的经济行为也会产生。现代艺术与社会经济有着密切的关系，现代艺术会使经济不断发展，在一定程度上改变人们的审美取向，经济的发展也会反过来推动现代艺术的发展。最后，现代艺术的进步离不开科技的发展。对于现代艺术来说，艺术表现形式的变化总是和科技的发展密切相关的。由于科技的发展，现代艺术的形式会更加多样，使用的材料种类会更加丰富。尤其在进入信息时代之后，各种技术的应用为现代艺术创作提供了海量的素材和种类繁多的资源。
二、高校现代美术教育的常见问题
1.对于现代艺术不够重视
部分教师对现代美术教育不够重视，是高校现代美术教育中比较突出的问题。部分教师接受的是比较传统的美术教育，对于现代艺术的理解不够充分。部分教师难以通过对现代艺术的深入了解提升艺术修养，从而在现代艺术教育过程中表现出比较乏力的状态。部分教师在日常生活中缺乏对现代艺术的积累，且参与现代艺术创作的机会较少，以致没有接受足够的现代艺术的熏陶[2]。部分教师对于现代艺术教育不够重视，对于现代艺术的理解存在偏差，不愿意及时调整已经制订好的美术教学计划，也不愿意为现代艺术教育预留足够多的时间和空间。这些问题都会在一定程度上影响现代艺术在高校美术教育中的开展。
2.教学条件落后
一些高校由于长时间采用以往的美术教学模式，没有及时改良和创新教学方法，以致影响了现代艺术教学的开展。一些高校的教学条件比较落后，难以达到现代艺术教育的水平。现代艺术种类较多，内容比较复杂，如果想要使众多形式新颖的现代艺术在高校美术教学中得到良好的发展，就需要在硬件设施上投入足够多的资金，优化教学环境，以便能够达到现代艺术教学的水平。但一些学校的管理人员对这些方面不够重视，或者受限于高校的实际财政状况，在现代艺术教育方面没有投入足够多的资源。
3.部分学生参与现代艺术学习和创作的热情不足
一些高校学生接受的美术教育比较陈旧，以致他们对于现代艺术的理解比较有限。一些学生对现代艺术存在抵触情绪，认为无论在艺术理念上还是在艺术格调上，现代艺术相较于传统艺术都比较另类，这会影响他们的参与热情，也在一定程度上影响了高校现代艺术教育的开展[3]。学生参与现代艺术的学习和创作热情不足，主要是因为学校没能提供足够的现代艺术教学空间，也没能通过丰富多彩的课外艺术活动丰富学生的学习体验。且一些美术教师采取的教学方法比较落后，难以有效激发学生的学习兴趣，这也会制约学生的艺术学习方向，进而影响高校现代艺术教学的质量。
三、在高校美术教育中融合现代艺术教育的方法
1.提升美术教师的认识，重视现代艺术教育
要想在高校美术教育中更好地融入现代艺术教育，高校就需要转变美术教师的想法，让他们对美术教育的理解更加全面，避免局限在以往的美术教学思想中。而要想达到这样的目的，高校不仅要为美术教师创造良好的学习条件，让他们接触到更多的现代艺术，对于现代艺术形成比较全面的认识，而且要鼓励美术教师在日常生活中加强学习，充分了解种类繁多的现代艺术形式，并积极创作现代艺术作品。现代艺术作品具有鲜明的时代特色，能够很好地表现出创作者的思想。如果想要改变部分美术教师的陈旧教学思想，高校就要让这些教师在日常工作和生活中尽量多接触现代艺术作品。具体来说，高校可以定期组织现代艺术作品展，让学生和教师一同参展，并在参观完成之后撰写相关报告。
2.在教学过程中使用科学的教学方法
要想让现代艺术在高校美术教学中发挥更大的作用，高校美术教师不仅要转变教学思想，而且要使用更加科学的教学方法。在以往的教学模式中，课堂教学的主体通常是教师，学生往往处于相对被动的地位，在学习过程中，只能跟随教师的节奏完成相关的学习任务。要想让高校美术教学更好地与现代艺术相融合，教师就要尊重学生的主体地位，使用更加科学的教学方法，满足学生的学习需求，丰富学生的学习体验[4]。现今，信息技术快速发展，高校教学课堂的硬件条件越来越完善，在美术教学过程中，教师可以灵活使用这些硬件设施和网络设备，以此提升现代艺术教学效果。如，在课堂教学过程中，教师可以使用多媒体屏幕为学生展示优秀的现代艺术作品，让学生通过视频或图片，对现代艺术形成更加全面的理解。除此之外，教师还要及时了解当地的现代艺术作品展览，在条件允许的情况下，组织学生参观展览。这样不仅能够开阔学生的视野，而且能够有效培养学生对现代艺术的热情，增强学生参与艺术创作的积极性。
3.为学生创造自主创新条件
现代艺术种类繁多，很多艺术形式需要学生参与，这就要求高校为学生提供更大的自主创造空间，为不同类型的现代艺术创作提供良好的条件。与传统艺术相比，现代艺术更加提倡自我意识的觉醒和自我价值的体现。在这种情况下，高校更应为学生进行现代艺术创作提供自主创新条件，让学生在艺术创作过程中拥有足够的主动权，能够将自己的艺术思想和理念更好地融入作品[5]。需要注意的是，对于现代艺术作品的解读是不拘一格的，一些现代艺术创作者有时对于自身的作品也难以作出明确的解读。也就是说，很多现代艺术作品的表达具有模糊性，而这恰恰为学生进行艺术创作提供了足够开阔的空间，高校应当鼓励学生进行自主探索，让学生进行形式多样的现代艺术创作。
4.完善现代艺术的硬件教学条件
现代艺术的形式多种多样，在创作过程中，学生需要用到的材料是各不相同的。如果高校难以在硬件设施上投入充足的资金，将会使学生在艺术创作时受到限制，难以获得理想的创作成果。因此，为了避免这一情况，高校应当在条件允许的情况下，投入更多的资金建设现代艺术创作的硬件设施，为学生提供良好的创作环境，同时为各种教学活动的开展提供方便。如，高校可以根据近期艺术教学的安排，提前采购相应的创作材料，让美术教师能够在课堂教学过程中使用这些材料，完成相应的教学任务，同时让学生使用这些材料自主完成相应的创作。
结语
对于高校美术教学来说，现代艺术是非常重要的内容。高校应当注重改变部分教师的刻板认知，让他们了解现代艺术在培养学生美术素养中的重要作用，同时加大建设硬件设施的力度，为现代艺术课堂教学创造良好的条件。除此之外，美术教师还要使用更加科学的教学方法，在丰富学生学习体验的同时，满足他们的学习需求，激发他们对于现代艺术的热情。
参考文献：
[1].高校美术教学与现代艺术的结合性探究[J].大众文艺，2011（15）：210-211.
[2]吕松野.探析高校美术教学与现代艺术的密切关系[J].佳木斯职业学院学报，2014（9）：293，303.
[3]张琪，韩淑梅.我国高校美术专业课学生创造性思维的培养研究[J].民族高等教育研究，2020，8（3）：66-69.
[4]张云峰.探析高校美术教学与现代艺术的结合[J].美术教育研究，2013（18）：114-115.
关键词：艺术设计 教育 构成艺术
随着社会信息化进程的加快，市场对现代设计人才要求的高起点、批量化，使中国艺术设计教育尽快为社会提供现代艺术设计人才日益紧迫。但中国现实的艺术设计教育状况，又十分令人难以满意。纵观全局,要想使现代艺术设计教育体系达到比较完整,尽快建立起适合中国国情的体现中国传统文化与现代科学技术相结合的现代艺术教育体系。而构成艺术是任何艺术和设计的理论基础,主要包括平面构成、色彩构成、立体构成三大部分，它存在与一切艺术和设计的任何角落，也是世界各高等院校该类专业不可或缺的核心课程。
一、构成艺术的发展和现状
构成艺术是现代设计教育的基础, 是现代艺术教育体系的重要组成部分, 它是训练学生如何利用元素进行美的创造, 研究如何运用和掌握形式美的构成规律等的重要课程。构成设计的观念，从第一次世界大战就开始在理论和实践上有所活动，无论在绘画还是设计中，都主张以抽象的形式来表现，放弃传统的写实，这种观念经过俄国的构成主义，风格派，以及在造型设计中影响最大的德国包豪斯设计学院的不断完善、发展，逐步从新的思维方式、美学观念建立起一个新的造型原则；平面构成和立体构成也随之发展成为现代教学训练的基础。
在国内，构成设计从最初的由平面构成，立体构成组成，发展到由平面构成、色彩构成、立体构成和光的构成为主要内容，并加入了新的时代设计元素多媒体与电脑技术的运用。
二、艺术设计教育中构成艺术教学存在的误区
1.不重视构成艺术课程中的交互性知识
点、线、面、体、色、光、材料是抽象构成中最基本的元素，其中任何一个都能构成单独形成审美的造型。通常情况下，它们之间相互综合构成容易营造出更具美感的形态。这一点应该是教学中的关键所在。但是通过对毕业生知识结构调查分析，这一点并没有在课堂上被教师所重视。产生这个误区主要归因于现行的教材存在薄弱环节，授课教师对抽象构成的知识掌握不全面、不深透。
点、线、面、体、色、光、材料元素也是我们使用频率最多的几个元素符号，倘若其中一个知识点掌握不完整，必定会限制构成创作在一定范围的 “自由度”，增加构成设计的难度。学习这些元素不仅是构成的基础内容，还是不同构成之间相互支撑的条件，满足了这些前提条件才能谈及下一步的实际应用，这就是学习构成学的主要目的或称为专业设计的问题。
2.不同构成艺术课程中的误区
掌握构成艺术的理论、技法和实际应用方法是学习构成设计的前提要求，即使简单化的重复、近似、渐变、发射、特异、对比、密集、肌理、空间、群化等平面构成形式，都应该在实现它们的实用性功能之后再考虑体现其审美形式。该课程的实用价值就是构成艺术的生命力所在。教学中，有个典型的错误现象就是：学生以完成作业而练习，不知所用，导致学生厌学。色彩构成教学包含色彩理论和心理色彩创意构成两项内容。
前者讲授色彩的基本规律和基础知识，是理解性的内容；心理色彩构成是创意性训练的环节，追求具有针对性的主题设计。然而在实际教学过程中，学生们花费的精力大都在学习基本的色彩原理和“程式化”的构成方法，与应用性设计有关的创意作业在最后一周“蜻蜓点水”，一带而过。按照授课顺序，学习立体构成是美术类学生接触三维空间造型的第一门课程，同平面、色彩构成相比，立体的空间构成的语言和视角是建立在它们的基础之上，所以要求完成
的条件更多更高了。准确地说，立体构成是学习抽象雕塑的理论、方法，但教学中存在着典型的误区，因此混淆了立体构成和“行为艺术”的区别；初学者不习惯用审美法则要求去推敲、比较元素的数量、体量、位置和色彩等因素，常常导致“堆砌式”的组合；综合构成是立体构成的基本特性。广泛地接触材料，是掌握构成应用的关键步骤。
三、构成艺术教学实践的创新探索
1.重基础,宽口径
重基础、宽口径是世界高等教育改革的方向。美国的设计教育改革起步较早,基础课的比例已增至50%,同样日本的设计专业也是注重基础课程的学习,然后才能进入专业课程的进修。而在欧洲的设计院校则不把课程固定在过细的专业划分上,这都反映了人们对设计基础课程新的认识和重视。在我国,很多高校也越来越重视起对艺术设计基础课程设置与改革,更注重对学生设计基础技能的培养和加强。深感这一课程不可或缺的重要性。
2.交流与合作
在教学过程中的要求是师生交往、同学之间交往及教育者之间交往,积极互动,共同发展，互相促进互相学习,教学相长。比如在欧洲的一些国家中有美术学院的教师都是流动的,通过聘任的时期来掌握和控制,是为了保证艺术教学观念的更新。
3.创造性思维的培养
艺术设计专业更需要的是创新型人才,所谓创新型人才是指具有创新意识、创造性思维和创新能力的人才。例如在构成的教学中通过理论知识的讲授让学生掌握一定的知识的同时,在通过一些课题的训练提高创新性思维的培养达到对知识的再次巩固和理解。平面构成中主要是对图形的构思、组合和分解,从而再形成新的形来达到创造、创新的目的。
4.加强理论与实践的整合
理论联系实际既是马克思主义思想的精华,也是教育与生产劳动相结合的必然产物。教师要精力集中在培养学生分析问题和解决问题的能力上。对于艺术设计专业来说更加要注重学生动手能力和创新意识的培养。那么三大构成是设计基础,对于今后专业课学习起到承上启下、至关重要的作用。平面构成用在各种平面设计当中,色彩构成提高色彩搭配能力,立体构成主要用在雕塑,建筑等方面。三大构成的学习可以提高整体的审美水平和对艺术的理解。对构成课程的教学如何加强理论与实践要做好以下两方面，一是运用多媒体技术直观性教学与课程整和为我们基础教学提供最理想的教学环境。二是实践出真知。理论教学教授更多的是专业理论,而实践则丰富学生的动手能力、社会经验和学科的知识,培养了他们自立创新精神和实践能力,提高了他们的综合素质。
总之，作为重要基础课程之一的构成艺术教学实践与探索是为了更好地实现学科的科学性与专业性，使现代设计的基本观点和教育方向在其教育体系、设计理论实践中更加成熟完善，实现教学、研究、实践三位一体的现代设计教育模式。
参考文献：
[1]陈潇玮.浅谈构成设计课程教学创新[j].艺术与设计，2008年03期.
[2]赵擂.构成艺术课程的改革与创新[a].广东轻工业，2008年4月第4期.
[3]吴筱荣.走出构成艺术教学的误区—基于当代构成艺术教学中存在的问题[j].美术大观，2008年09期.
[4]张旗.论构成教学体系的发展和创新[a].艺术百家，2007年第2期.
关键词：艺术设计 教育 构成艺术
随着社会信息化进程的加快，市场对现代设计人才要求的高起点、批量化，使中国艺术设计教育尽快为社会提供现代艺术设计人才日益紧迫。但中国现实的艺术设计教育状况，又十分令人难以满意。纵观全局,要想使现代艺术设计教育体系达到比较完整,尽快建立起适合中国国情的体现中国传统文化与现代科学技术相结合的现代艺术教育体系。而构成艺术是任何艺术和设计的理论基础,主要包括平面构成、色彩构成、立体构成三大部分，它存在与一切艺术和设计的任何角落，也是世界各高等院校该类专业不可或缺的核心课程。
一、构成艺术的发展和现状
构成艺术是现代设计教育的基础, 是现代艺术教育体系的重要组成部分, 它是训练学生如何利用元素进行美的创造, 研究如何运用和掌握形式美的构成规律等的重要课程。构成设计的观念，从第一次世界大战就开始在理论和实践上有所活动，无论在绘画还是设计中，都主张以抽象的形式来表现，放弃传统的写实，这种观念经过俄国的构成主义，风格派，以及在造型设计中影响最大的德国包豪斯设计学院的不断完善、发展，逐步从新的思维方式、美学观念建立起一个新的造型原则；平面构成和立体构成也随之发展成为现代教学训练的基础。
在国内，构成设计从最初的由平面构成，立体构成组成，发展到由平面构成、色彩构成、立体构成和光的构成为主要内容，并加入了新的时代设计元素多媒体与电脑技术的运用。
二、艺术设计教育中构成艺术教学存在的误区
1.不重视构成艺术课程中的交互性知识
点、线、面、体、色、光、材料是抽象构成中最基本的元素，其中任何一个都能构成单独形成审美的造型。通常情况下，它们之间相互综合构成容易营造出更具美感的形态。这一点应该是教学中的关键所在。但是通过对毕业生知识结构调查分析，这一点并没有在课堂上被教师所重视。产生这个误区主要归因于现行的教材存在薄弱环节，授课教师对抽象构成的知识掌握不全面、不深透。
点、线、面、体、色、光、材料元素也是我们使用频率最多的几个元素符号，倘若其中一个知识点掌握不完整，必定会限制构成创作在一定范围的 “自由度”，增加构成设计的难度。学习这些元素不仅是构成的基础内容，还是不同构成之间相互支撑的条件，满足了这些前提条件才能谈及下一步的实际应用，这就是学习构成学的主要目的或称为专业设计的问题。
2.不同构成艺术课程中的误区
掌握构成艺术的理论、技法和实际应用方法是学习构成设计的前提要求，即使简单化的重复、近似、渐变、发射、特异、对比、密集、肌理、空间、群化等平面构成形式，都应该在实现它们的实用性功能之后再考虑体现其审美形式。该课程的实用价值就是构成艺术的生命力所在。教学中，有个典型的错误现象就是：学生以完成作业而练习，不知所用，导致学生厌学。色彩构成教学包含色彩理论和心理色彩创意构成两项内容。
前者讲授色彩的基本规律和基础知识，是理解性的内容；心理色彩构成是创意性训练的环节，追求具有针对性的主题设计。然而在实际教学过程中，学生们花费的精力大都在学习基本的色彩原理和“程式化”的构成方法，与应用性设计有关的创意作业在最后一周“蜻蜓点水”，一带而过。按照授课顺序，学习立体构成是美术类学生接触三维空间造型的第一门课程，同平面、色彩构成相比，立体的空间构成的语言和视角是建立在它们的基础之上，所以要求完成的条件更多更高了。准确地说，立体构成是学习抽象雕塑的理论、方法，但教学中存在着典型的误区，因此混淆了立体构成和“行为艺术”的区别；初学者不习惯用审美法则要求去推敲、比较元素的数量、体量、位置和色彩等因素，常常导致“堆砌式”的组合；综合构成是立体构成的基本特性。广泛地接触材料，是掌握构成应用的关键步骤。
三、构成艺术教学实践的创新探索
1.重基础,宽口径
重基础、宽口径是世界高等教育改革的方向。美国的设计教育改革起步较早,基础课的比例已增至50%,同样日本的设计专业也是注重基础课程的学习,然后才能进入专业课程的进修。而在欧洲的设计院校则不把课程固定在过细的专业划分上,这都反映了人们对设计基础课程新的认识和重视。在我国,很多高校也越来越重视起对艺术设计基础课程设置与改革,更注重对学生设计基础技能的培养和加强。深感这一课程不可或缺的重要性。
2.交流与合作
在教学过程中的要求是师生交往、同学之间交往及教育者之间交往,积极互动,共同发展，互相促进互相学习,教学相长。比如在欧洲的一些国家中有美术学院的教师都是流动的,通过聘任的时期来掌握和控制,是为了保证艺术教学观念的更新。
3.创造性思维的培养
艺术设计专业更需要的是创新型人才,所谓创新型人才是指具有创新意识、创造性思维和创新能力的人才。例如在构成的教学中通过理论知识的讲授让学生掌握一定的知识的同时,在通过一些课题的训练提高创新性思维的培养达到对知识的再次巩固和理解。平面构成中主要是对图形的构思、组合和分解,从而再形成新的形来达到创造、创新的目的。
4.加强理论与实践的整合
理论联系实际既是马克思主义思想的精华,也是教育与生产劳动相结合的必然产物。教师要精力集中在培养学生分析问题和解决问题的能力上。对于艺术设计专业来说更加要注重学生动手能力和创新意识的培养。那么三大构成是设计基础,对于今后专业课学习起到承上启下、至关重要的作用。平面构成用在各种平面设计当中,色彩构成提高色彩搭配能力,立体构成主要用在雕塑,建筑等方面。三大构成的学习可以提高整体的审美水平和对艺术的理解。对构成课程的教学如何加强理论与实践要做好以下两方面，一是运用多媒体技术直观性教学与课程整和为我们基础教学提供最理想的教学环境。二是实践出真知。理论教学教授更多的是专业理论,而实践则丰富学生的动手能力、社会经验和学科的知识,培养了他们自立创新精神和实践能力,提高了他们的综合素质。
总之，作为重要基础课程之一的构成艺术教学实践与探索是为了更好地实现学科的科学性与专业性，使现代设计的基本观点和教育方向在其教育体系、设计理论实践中更加成熟完善，实现教学、研究、实践三位一体的现代设计教育模式。
参考文献：
[1]陈潇玮.浅谈构成设计课程教学创新[j].艺术与设计，2008年03期.
[2]赵擂.构成艺术课程的改革与创新[a].广东轻工业，2008年4月第4期.
[3]吴筱荣.走出构成艺术教学的误区—基于当代构成艺术教学中存在的问题[j].美术大观，2008年09期.
[关键词]高校；美术教学；现代艺术；结合
在迅猛发展的现代经济社会中，人类生活与生产都离不开美术艺术以及现代艺术，高校美术所反应以及研究的广大人民群众的审美情感、审美原则以及审美观是每一个民族文化发展进程中的重要体现指标，虽然现代艺术起源于西方国家，但是，经过不断地发展，现代艺术已经一步一步融入到了各个民族的发展过程当中，并且也形成了不同民族间独有的特色。具体上，现代艺术包括了民俗艺术、现代艺术、宫廷艺术、宗教艺术等，并且发展到如今，其已经变成一切形象艺术的重要构成部分以及发展基础。而美术艺术的发展，在一定程度上表现了人民群众的社会文明程度以及审美意识，已逐渐成为人类审美标准提升的重要体现，是我国发展现代艺术的母体，并渐渐地变成中华民族文化发展中的重要部分，两者之间有着自身的特点，也存在共同的特性，因此，新时展中，将现代艺术以及高校美术有效地结合在一起，可以实现两者的双赢。本文通过研究现代艺术以及高校美术教学，提出了自己的一些意见和看法。
1 现代艺术与高校美术教学的差异
1.1 作为在社会形态上发展起来的一项艺术，现代艺术伴随着不断进步的科学技术、不断发展的社会而迅猛发展，具有科学性、经济性以及社会性。现代艺术的发展与社会的发展密切相关，其对社会的发展有着有效地推动功能以及促进功能。现代艺术的社会性可以主要的概括为两个方面：第一，现代艺术的不断发展，能够创造出更加适应人类运用的产品，也能够给人类社会的生活、生产创造更加舒心的环境。第二，现代艺术的发展是为服务广大群众而存在的。现代艺术也有着一定的经济性，体现在其是为现展社会服务的，特别是工业化生产中所离不开的，因此，在这个层面上，我们也能够说社会、经济都离不开现代艺术，都与其关系密切。伴随着社会的发展、经济的发展以及人们需求的不断变化，一个国家的科技是否发达、经济是否繁荣，对该国家国家的现代艺术发展有着重要的决定作用。另外，高校美术教学与现代艺术的最大差别为现代艺术包含科技性。在经济和科学技术高速发展的社会中，互联网技术以及计算机技术的迅猛发展推动加快了现代艺术产业的升级，比如三维动画的产生等等。
1.2 高校美术教学跟现代艺术不同之处还体现在其包含文艺性、实用性、审美性以及民族性。高校美术教学的民族性，美术是在一定的民族发展如民族喜好、民族活动等之上，通过不断的创造而产生的，例如高校美术教学中包含了佛像、面具、剪纸、风筝等，因此，高校美术教学中，在提供教学题材上民俗文化起到了不可替代的作用。高校设计意识与美术教育的结合也给民俗文化的发展提供了台阶，能够促进现代艺术与民俗文化的结合。审美上，各民族地区的审美观念与该地区特有的审美特点息息相关，并且这种审美观是在长期的历史发展中继承留下来的，与本地区人民的审美意识相符合。当今，现代化高速发展，我们可以通过学习现代设计知识以及美术知识提高自己的审美观。
2 推进高校美术教学跟现代艺术结合的方法
2.1 应该树立正确的艺术观。无论是现代艺术还是高校美术教育，在一定限度内都杜绝单纯功利思想行为。一定得经济目标的驱使下，把精神产品迅速商品化来赚取利益，过分得重视消费者的需求以及兴趣，都将会造成作品丢失其本真。高校美术教育中，根本目标是依据生命个体内在的要求，有效的挖掘不同人的不同价值，激发出各自的潜能，引导以及完善每个人的审美观。如果想要实现现代艺术与高校美术教学的结合，树立正确的艺术观是一件很有必要的事。只有深刻地认识了艺术文化行为的本质，才能够有效地拓展出艺术固化的理念，才能充实底蕴及其内涵，实现合理、科学的将两者结合在一起。
2.2 应该重视内在的审美性。高校美术教学中，使用现代艺术时应该注意对于内部包含的审美元素的选择，提取其中的文化内涵以及艺术精华；同时，现代艺术不能够只是关注外部的造型和环境，还要把握好整体的设计神韵，有效地突出审美的特色。事实上，现代艺术与高校美术教学的结合是“道”以及“技”的结合。“道”不但包含了给学生传授理论知识，而且包含了培养以及提高学生的综合素质，这些在培养学生正确的审美观上，帮助学生形成独立的创作风格上，促进学生个人的长期发展上都起到基础的引领功能。然而“技”，不但包含了整体设计的框架、颜色和图式，更要突出内在的审美性。
2.3 应该研究发展的趋势。实现现代艺术与高校美术教学的融合，应该突出发展性以及自由性，提升整个社会的艺术修养，逐渐形成多学科相互渗透、融合、交叉的发展趋势。同时，这种结合还不能是完全的自由发展，而是要在一定的研究限度基础上形成。因此，我们应该积极地研究美学发展中的新方向和新趋势，运用理论融合、艺术创新等各种方法来有效地推动现代艺术与高校美术教学的融合。
2.4 应该突出意识的创新性。创新不仅能够给一个民族提供不竭的发展动力，也是现代艺术和高校美术教学的一个重大属性，是美学发展中的重要内容。高校应该在现实的基础上，依照历史发展的规律，不仅要继承民族文化传统，还要在内容以及形式上做到创新。假如单纯地结合两者，就无法体现两者内在的特点，所以应该让现代艺术与高校美术教育实现共同发展，求同存异，提升创新能力以及创新意识，才能在发展中实现积极有效的结合。
参考文献：
[1]崔春， 李双.略谈传统高校美术教学与 当代艺术[M].职业时空，2012.03.
关键词：艺术；高校；美术教学；应用
高校美术不再像中学那样被认为是小学科，它在高校中的地位相对比较高，是人们精神层面的艺术，也越来越被人们重视起来，但是很多大学教师只是为授课而授课，过度重视讲解知识点，极易引起学生情绪烦躁，而将现代艺术应用到高校美术教学中可以更好的引导学生进入学习氛围，使其在丰富、生动、轻松的教学场景中获取知识，加深理解，提升能力，有助于教学质量的提高，故值得推广应用。
现代艺术的内涵
现代艺术具有创造性，能够培养人的创新能力，越来越被现代社会所接受，艺术需要具有创造性，而且现代艺术通常会间接的揭露一些社会现象，具有一定的高度，学习起来能够锻炼人的思维，在高校美术教学中的应用更是能够丰富教材，激发学生学习兴趣，开发学生的智力，从而培养学生的探索精神和创新精神，使美术课堂更加丰富多彩，开阔学生的视野，提高高校美术课堂的教学质量，促进学生的全面发展。
高校美术的学习对学生将来的发展至关重要，学生只有具备一定的学习热情和能力方能做到美术的活学活用，然而当下很多学生只是理解一些美术理论知识，并没有将美术和艺术结合起来，严重偏离了素质教育要求，故放眼长远，立足实际，将现代艺术应用到高校美术教学中十分必要。
现代艺术在高校美术教学中的应用
现代艺术主要包括象征主义、抽象表现主义和超写实主义等。
1.象征主义在高校美术教学中的应用
象征主义主要是使主观的事物变得客观，能够培养学生的审美情趣，使学生对生活产生积极的态度，令学生精神饱满，而当学生没有兴趣做一件事情时，就会对事物产生厌倦感，没办法提高课堂效率，利用现代艺术增加学生学习的兴趣，可以巧妙的使学生融入于课堂教学中，使学生在一个相对快乐的情景中获取情感体验，从而增强学习欲望，为后续的知识学习、互动交流以及团结合作等的顺利进行奠定基础。
如美术作品中的在《莎乐美》，主要描画了圣经中的一位美女跳舞的姿态，她因跳舞而被国王喜欢，国王答应美女什么事都可以答应她，美女说要约翰的人头，这个作品正是描述的美女在国王面前跳舞的画面，这位美女全身都是金银珠宝，美女的形象具有一定的象征意义，画面看起来神秘而不可捉摸，在高校美术课堂上，教师可以应用这个著名的作品，首先让学生欣赏作品，发表自己的见解，激发学生的想象力，让学生在欣赏的过程中思考，然后把学生分组，小组讨论看到这幅作品能够联想到什么，通过小组成员的谈论，使学生的思维进一步得到拓展，并请小组代表发言各个小组谈论的结论，看大家能够讲出什么不一样的故事，然后教师进行总结，这个作品应用在美术教学中，能够给课堂带来活跃气氛，引发学生思考，假发学生的表现欲望，有利于学生智力的开发，丰富了教材内容的同时，优化了教学质量。
2.抽象表现主义在高校美术教学中的应用
抽象表现艺术是一种高于现实生活的艺术，是一种即兴创作的艺术，有着随意性，自发性，无规律性的特点，比较注重内心情感的抒发，自由自在，不受约束，现在欧洲的一些艺术学校已经将这种抽象表现主义的艺术应用在了教学中，这种艺术能够使学生更加自由的发挥自己的想象力，可以把学生内心的情感展现出来，内心或急躁或温和，或霸道或温驯，都可以在这种抽象表现主义的艺术中表现的酣畅淋漓。
如在美术作品中的《薰衣草之物》，在做这幅作品的时候，作者波洛克将画布铺在了地面上，基本上抛开了大部分的画家所常用的作画工具，他用一些简单的颜料和简单的树枝刀子等作画，没有刻意的勾勒，只有随意的渲染，这种艺术作品反而更接近大自然的本色，将这种艺术作品带到高校美术课堂中来，让学生更加自然的接触到表面看似杂乱却有着它独特意义的作品，进一步开发学生的想象力，引导学生思考和感受，有利于增长学生的见识，可以将各种情感通过艺术作品展现出来。
3.超写实主义在高校美术教学中的应用
超写实主义的主要特点是，作品非常逼真，让人看了就像是身临其境或者见到真人真物一样，能够生动形象的表现作品中的事物，超写实主义主要有绘画和雕塑两种形式，超写实主义的绘画和雕塑都表现得非常清晰和细致，甚至比照片还要清楚。
结束语
一、知人论世,探知本质。
古典艺术以客观世界为参照对象,艺术家按照看到的世界来描绘对象,画作是世界的一面镜子,真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实,而是追求内心的真实,其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想,所以,要想欣赏现代艺术,就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历,等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法,就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能,于是绘画不再执着对外部客观事物的描摹,而是寻找新的出路和存在价值,从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动,如哲学和宗教新思潮,这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革,现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释,则其确实难以理解。比如,要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起,马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判,从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道,这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的,他们从不承认其他的理解形式,而是在这方面表现出一种幼稚的偏见:除了他们的公式,一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能,从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画,他只不过决心要做他自己,而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室,在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化,进行现场绘画创作,由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情;只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往,才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来,我们是谁,我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解,这种从艺术家的立场来解读作品,是最基本的赏析方法。
二、点面结合,探知风格。
“点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口,然后结合艺术家的其他作品,感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高,可以把《星空》作为突破口,可以设置一些问题让学生思考:其构图、线条、色彩有何特点?他描绘的夜空和你看到的有何不同?画家这样表现的目的是什么?你从中感受到怎样的情感?经过讨论后,可以让学生欣赏其他作品,如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等,学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度,从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显着的标志,特别是现代艺术中,层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨,每个流派的画家又有不同的风格,如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别,塞尚、凡·高、高更又有区别。所以,点面结合的方法,可以使学生了解画家的整体风格,而不是仅看到局部和表象。
三、纵向联系,彰显个性
现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的,其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线,把各个流派贯穿起来,分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法,而对物象进行深入、长时间的分析,专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现,“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索,毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理,用几何形体的组合拼接来构图,创建了立体主义流派,其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识,从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索,就可以把这些有传承关系的流派联系在一起,这样的纵向联系和对比,可以使学生清晰地把握各流派的异同点,体察现代艺术发展变化的规律,对现代艺术有更深入的认识。
四、创作实践,领悟精神。
现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚,培养学生现代的审美眼光和审美趣味,创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节,加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时,可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象,并说说这样构图的意图,也可以让学生相互评价,还可以加入拼贴和实物要素,让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验,让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来,综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。
五、面向生活,慧眼识别。
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