一、民俗文化与油画创作的关系
油画最开始出现于西方，在传入中国的过程中，它作为一种特殊的绘画形式经历了一系列的发展和变化。时至今日，油画已深受中国民众的喜爱，不再是像最初只服务于统治阶级。由于中国特有的文化特征，油画在传入中国的同时就深受中国文化的影响，民俗文化作为中国文化的一大分支，和油画创作也有着不解之缘。所谓民俗文化，简单理解，就是一个区域内民众的风俗习惯，进一步说来，则是一种依附人民的生活、习惯、情感与信仰而产生的文化。著名的《乡村乐手》是清朝画家林呱的作品，所表现的就是民俗娱乐的场景。另外像董希文在1953年创作的《开国大典》，所采用的方式和西方完全不同，而是带有民间美术的色彩。由此可以看出，中国的民俗文化一直以来和油画创作保持着亲密关系。
首先，一个地域的民俗文化给油画创作奠定了一种基调和风格。不同的地域有不同的文化，不同的民俗文化造就了油画创作的不同风格。这是因为，油画在创作过程中，必然会受到当地自然环境和人文环境的影响。例如福建省美术家协会副主席郭宁的作品就形成了一种特定的风格。他的作品《金色家园》、《水乡》先后获得各类大奖。谈论起他的创作，会自然地想起福建的风景：自然环境富有变化，有山有海，色彩鲜明、丰富，还有闽南的渔岛、闽西的土楼、闽北的古村落等等，这些独特的地域文化使得郭宁的作品现场感十分强，进而形成了独特的艺术风格：朴实中带着浪漫，绚丽中带着精微。
其次，油画作品能再现一定地域内的民俗文化，体现一种文化精神。它就像一面镜子，可以让我们从中看到当地生活的面貌，体会特定时期内人民的心理特征、审美情趣和价值观念。在油画创作过程中，画家是在用眼睛和心去观察和感受社会，通过体会民风民俗，借助技巧的运用来产生艺术的效果。吴永安的油画《阳光下》、丁大年的油画《新居》、郭宁的油画《遥远的星》曾参加全国侨乡风貌、华侨生活画展，透过他们的作品，我们可以看到泉州的侨乡文化，也能感受到民众对生活的热爱与坚持，还有内心深处的思乡情怀等。
二、民俗文化对油画创作的影响
1、民俗文化对油画创作及审美心理的影响
艺术来源于生活，又高于生活。民俗文化展现了地方文化特色，是一个地方文化的精髓。对油画创作者和接受者而言，民俗文化的内涵都会对他们产生一种无形的熏陶，使之受到感染和影响，进而丰富或改变自己的思想。泉州市是一个拥有着丰富多彩民俗文化的城市，民俗文化类型多样，形成了自己独特的风格。众所周知，泉州是我国著名的侨乡之一，泉州著名画家林剑仆曾在1978年就创作过一副名为《侨乡春灯》的作品。林剑仆回忆说，人们参观春灯的热闹景象给他留下了深刻的印象，而在闹元宵的人群中，有很多侨乡，他感觉着一切都充满着一种青春活力的气息，因此创作了这副作品。这是泉州市第一幅入选国展的油画。由此可见，泉州特定的民俗文化启发了画家的创作，给他创造了创作的灵感。之后，林剑仆又在此基础上创作了《海婴》等作品。大众通过当地一些富有民俗气息作品，对泉州的美丽风情有了更为深刻的印象。
2、民俗文化对油画创作题材的影响
油画作为一种艺术形式，必然要从生活中汲取素材。民俗文化反映的正是一个地方的生活，这种文化在一定程度上也影响了油画创作题材的选择。画家总是会根据自己的实际生活体验来进行创作。而经常受到民俗文化感染的画家，在创作题材上就会偏向于选择跟民俗文化相关的内容，而丰富多彩的民俗文化内容也给油画创作提供了广阔的拓展空间，丰富了油画创作题材。上面提到的林剑仆的作品就是一个典型的例子。俄罗斯著名画家列宾的曾说：“只有在自己的土地上，只有从祖国土壤里成长起来的艺术，才能够得到人们透彻的、充分的理解。”他强调民族艺术的魅力，也从另一面体现民俗文化确实成为油画创作的一大主要题材。例如泉州师范学院美术教师黄曦农的油画《渔港和风》（中国校外教育（美术），2007年12期）就是对泉州滨海风情的一种独特展现。
3、民俗文化对油画审美价值的影响
民俗文化是一种民族精神的浓缩，对于一副优秀的油画作品，我们会分析它的审美价值究竟何在。所谓审美价值，就是一种客观存在的自然性质，它并不是取决于人的意识判断，而是实实在在存在的，我们也可以将这种审美价值理解成“思想性”，普列汉诺夫曾说：“原因很简单，因为没有思想，艺术就不能存在，除了导致抽象的和混乱的象征主义之外，不会产生什么其他的结果。”之所以说民俗文化对油画审美价值产生影响，是因为如果一副油画能够以特定的民俗文化为创作题材，就会带有民俗文化的精神内质，这样也就提升了油画的审美价值。比如，泉州师范学院著名教授蔡永辉教授作品让人赞口不绝，他画作透露出闽南地区浓郁的民俗气息，风格宁静唯美，有如涓涓细流的情感流露，让人在欣赏中不自觉就找到了心灵的归依，这便是一种较高的审美价值。
上述是笔者结合自身艺术实践和学术知识，对民俗文化与油画创作的关系做的简要探讨。在未来油画事业的创新与发展过程中，我们需要不断努力，在民俗文化的熏陶下，在创作中渗透富有特色的民俗文化，让中国的油画创作更加成熟。
参考文献：
[1]王耀伟.中国油画创作中的民俗形象与文化意义[J].福建师范大学学报， 2002年第2期.
关键词：油画；民族文化；自信；生活；审美
中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2011）23-0182-02
油画自西方传入中国，是从十九世纪开始，在二十世纪得到发展和普及。然而对于如何学习西方油画争论不休。“”的康有为以变法为旨归，将郎世宁推崇到无以复加的地步，认为“中国近世之画，衰败极矣！”。并提出“合中西而成”的艺术主张。陈独秀提出“要改良中国画，断不能不采用洋画的写实精神。”新中国成立后又有“油画民族化”的提出，甚至于出现很多偏激的现象。更使油画完全走向一个极端，油画完全作为一个为政治服务的宣传工具。可以说在中国这块大地上，从对西洋画的漠视、拒斥到推崇与吸纳，终使西画在中国得以生根。对于一个新文化的吸收是一个复杂的过程，有全盘肯定的和全盘否定的，这种观点现在看来都是错误的，只有有目的的，针对性的吸收才能使之得到生根、继承和发展。中国油画正是在这样的环境中，走过了一个曲折艰难的发展过程，在这个过程中，如何认识西方油画一直没有形成一个统一的认识。现在依然走向多个极端，可谓“百花齐放”。这样的“百花齐放”如果没有一个统一的认识和精神支撑，那可以说和一片杂草没有什么两样，没有自己的风格和特色，无法成林。只有形成一个统一的认识，才能不会陷于一个非牛非马的尴尬境地。从现状来看，中国画的发展相对得到健康的发展，依然植根于本民族的根，并吸收到油画的有用的营养得以应用，使国画没有脱离其本来面目，且有所突破。油画不然，依然杂草从生，需要形成统一的主张和建构。那就是对油画的技法、精神要辩证的去认识和吸收，还其本来的面目，使之植根于本民族的文化，才能在继承的同时使之得到发展。
一、恢复文化自信，增强文化积累
中国是一个具有五千年文化积累的国家，也是一个多民族共存的国家，有着深厚的文化底蕴。随着改革开放，外来文化的入侵，中国科技生产力的落后的现实明显表露出来，从日常用品到高科技产品，西方文化开放、自由和中国文化相对保守形成鲜明的对比，卡通动漫、电影等也落后于西方国家，中国油画受其影响，且又是一个吸收、学习的过程。在这样的错觉下，很多人自认为中国的文化落后于西方文化，开始对自己的文化失去了自信，于是盲目的崇拜和学习西方的文化，而不是选择性吸收应用。这样学习的后果无疑使自己成了一块无根的浮萍，无法吸收大地的营养，这种成长注定只能畸形或枯萎，只能跟在别人的后面，无法超越，这样的现状尤其在年轻画家身上比较普遍。
从的思想禁锢到“八五思潮”，艺术家们思想上获得相对的自由，这种自由像一股新鲜空气一样，让很多艺术家兴奋不已，思想上的解放让他们呼吁创新，呼吁个性表达和情感的宣泄。在这样的大环境下，很多画家忘乎所以，不再相信传统，关注人本，关注生活，关注现实，他们关注的只是自己，想的只是如何让自己一夜成名，如何发泄心中的不快、不满甚至厌恨，如何让自己的作品尽快走向市场，似乎没有创新就不可能成家，从而忽略了自己的根，自己的民族文化，忽略了他们的作品能否给大众带来审美愉悦。创新不等于抛弃传统，抛弃民族文化，流行的时尚的并非都是艺术。现在部分绘画作品被冠以时尚及前卫艺术，八零后画家被冠以“卡通一代”等现象。这不得不给我们带来反思，中国油画该走向何方？
有一句谚语广为流传，“犹太人有灵魂没家园，中国人有家园没灵魂”。这句谚语虽然不能完全解释中国的油画现状，但说明了一个问题，部分中国人对自己的信仰，对本民族文化和本体认识的否定和缺失是很严重的，中国部分油画家缺乏历史意识，认为自己跟历史没什么关系，几千年的文化也是用来忽悠中国人的。所以老外看不起中国人是有道理的，我们自己把民族深厚的、苦难的东西给淡化了。艺术家应该有自己的思想，有自己对民族文化的深刻的认识了解和积累作为支撑。否则就会是无骨的形体和散沙，没有凝聚力。绘画创作在创新、个性情感表达和风格的形成是需要的，无可厚非。但我们要保持清醒的头脑，切不要超之过急，需要一个自然形成的过程。参与艺术市场也要保持良好的心态，保持警惕，否则可能被市场把你的精华吞掉，磨灭你的灵气和梭角。实际上，现当代的能够被认可撑起中国油画这片天空的，依然是那些植根于本民族文化的，具有深厚的文化底蕴和尊重传统审美修养的画家，他们有中国式的审美标准和中国人的审美情怀。吴冠中、潘玉良、詹建俊、陈逸飞、艾轩、杨飞云这些在中国现当代的画家，他们的画能够被大众喜爱，感觉如此亲切，同时一样的被世界认可。究其原因，就是他们对民族文化的依恋，他们吸收了中国画的线条、意境、表现等元素，但也同样表现了油画的色彩魅力。
二、提高审美修养，体验和反映生活的真实，寻找到民族文化闪光的东西
关于审美，不同的国家有不同的审美标准，有大同亦有差异，这和本民族的文化形成的有很大的关系，很多东西是想通的，对真善美的认可，对责任感、正义感、道德标准的要求等，多有想同的地方。从油画来看，我们能够接纳西方绘画，本身就是对它们的认可，无论技法，比如造型、构图、色彩、虚实、主次、线条等方面的理解，主题表现方面，对人体美的酷爱，对英雄的讴歌，对人民的赞美和表现的同情，对自然美共有的激情，多有融合，少有碰撞。因民族文化的不同，在不同时期，不同的民族，会有表现角度的不同。因此我们在油画表现的时候要注意要求同存异，不能盲目跟从。这就需要我们对本民族的文化有深刻的研究、认知和理解，才能创造出具有本民族文化特点的，符合东方审美情怀又能被世界认可的优秀作品。实际上我们在学习西方油画的时候，西方画家已经把中国绘画的一些精华应用在油画里边了。印象派的笔触，特别是梵高作品里的笔触线条，正是受东方文化的启发，把线条加以应用发挥，才使得我们对他们的作品感觉亲切。毕加索也曾对中国艺术大加赞美“在这个世界谈艺术，第一是你们中国人有艺术”。油画大师吴冠中能在现代油画史上占有如此高的地位和成就，源于他对民族文化的推崇和很好的接纳西方油画的精神分不开的。他应用富有节奏感、流动、奔放、激情的线条，结合西方油画的色彩，把符合东方审美情怀的构图、意境的山乡水色表现的淋漓尽致，就是我们需要学习的例子。
真正的艺术家是有思想的人，他们绝不会脱离本民族的文化，而是有较高的文化积累、学识，对民族文化有较深刻的认识和理解，有较高的审美修养的人。我们在搞油画创作时，不仅只能关注自我，更要关注生活，关注他人，关注社会。我们创作的激情，个性表现和风格的形成，需要上升到一个认知高度。否则我们的创作只能是封闭的没有精神的产物。民族文化是我们搞油画创作的血脉，更需要我们在继承的同时使之得以发展。
参考文献：
艺术符号化方面，德国哲学家恩斯特•卡希尔于1944年在《人伦》中提出：“艺术可以被定义为一种符号语言。”；美国符号论美学家苏珊•朗格认为：“艺术是人类情感的符号形式的创造。”；美学家卢卡契•捷尔吉认为：“艺术是表象性符号系统的最高的、最适当的表现方式。”，“通过艺术实践以及这一实践所培养的感受性，使反射系统不断地普遍化、扩大化、精细化和深化。只有在这个基础上，人民平时不加注意地忽略了的事物才能被感知、被表现。”；安伯托•艾柯等等。“艺术符号作为认识论的隐喻的作品”等等。在这些论证中，他们都将艺术符号与概念性符号做了区分。明确了艺术符号在激发美感的形式媒介中的表现是相对独立的。指出了艺术是用形象说话的，它所涉及的是与心理表象相关联的形式语言。社会主义核心价值观方面，国外学术界对其的研究并未像国内一样深入和成系统，其突出特点是：政府主导与民间组织参与相结合；各国政党成为各国倡导和建设社会核心价值观的主要发起者与统领者；宗教、法治、教育、舆论等是建设社会核心价值观的强有力手段。艺术是一种独具魅力和影响力的具有广泛传播效应的大众媒介。一种思想观念的传播，如果能够借助艺术的手段与途径，便能获得更为广泛而实在的效果。社会主义核心价值观是兴国之魂，如果凝练出融会中外、言简意赅、为人民普遍理解、高度认同的艺术符号，并最终形成国家的艺术形象，就更容易让大众掌握并自觉践行。而这种艺术符号化的过程，必然可以为体现和传播社会主义核心价值观发挥独特的影响和作用。
关于社会主义核心价值观艺术符号化践行的研究，目前总体的研究成果中，研究对象或相对零散或关于集中，指向明确、针对性强的研究理论并不多见，在知网以“艺术符号”和“社会主义核心价值”为关键词进行搜索，没有相应的研究文章，只有少数的论文中部分章节有所体现，如童福磊硕士论文《多元文化语境下中国当代油画发展现状研究》等。基于对众多文献资料和作品的考量，我们发现对于社会主义核心价值的艺术符号化践行研究还有很大的空间可以深入挖掘。社会主义核心价值观的艺术符号化是指：将核心价值观念及其取向用艺术手段在作品中凝练与表现出来，并形成可以被广泛理解和接受的艺术符号。十报告用24个字，分别从国家、社会、公民三个层面，提出了反映现阶段全国人民“最大公约数”的社会主义核心价值观：富强、民主、文明、和谐，自由、平等、公正、法治，爱国、敬业、诚信、友善。同志2月17日讲话指出，把核心价值建设和制度的现代化、和传统文化的弘扬紧密联系起来，作为一项战略任务提了出来。他指出，核心价值是文化软实力的灵魂，是决定文化性质和方向最深层次要素，是一个国家凝神聚气、强基固本的基础工程。我体会，的讲话，指明了社会主义核心价值在艺术领域的践行方向，核心价值观在艺术领域的符号化体现与研究，是社会主义核心价值观践行的组成部分，是国家形象与国家文化软实力提高的途径之一。强调，“使社会主义核心价值观的影响像空气一样无所不在。”因而将核心价值观体现在艺术符号中，更为人民所喜闻乐见的践行研究也就显得格外重要。艺术符号化践行是社会主义核心价值观在艺术中凝练与体现的基本原则，如果要对社会主义核心价值进行凝练与体现，首先要对凝练的原则进行揭示，只有如此，凝练出的社会主义核心价值观才能体现时代性，把握规律性，富于创造性。首先在艺术符号的基本内涵上，要反映和表征社会主义的“内在价值”和“精神特质”。其次在表现形态上，随着社会主义核心价值体系研究的深化，那么社会主义核心价值观在表现形态上就应该包含理论、思想、道德、行为等在内的一系列既体现社会主义性质，又表达历史文化传承，还要表征时代精神的价值概括，而这都应该是艺术创作中需要注意的。
综上，本文作者认为（1）核心价值观是一定社会的性质、本质和发展趋向的集中体现。是指能够体现社会主体成员的根本利益、反映社会主体成员的价值诉求，对社会变革与进步起维系和推动作用的思想观念、道德标准和价值取向。（2）“艺术符号”是能指与所指的结合物，具有广泛传播的特性。人们在审美活动中,自然物并不是被看作含有多种认识或价值属性的实际存在物,而只是摄取其感性形式而赋予人的心灵旨趣,这里实际上暗含一个符号化的过程。艺术符号既以自然符号为前提或基础,又是对这类符号形式的提炼和改造，既具有形象性、非指称性和意旨无穷等特点,又具有超越性、中和性等内在的性质。（3）对于社会主义核心价值观的艺术符号化践行的研究，反映了社会主义意识形态对艺术的影响。社会主义价值取向体现和继承了中华文化对生命价值的尊重与对和谐理想的追求，从建国初期到二十世纪八十年代的艺术发展历程中，社会政治环境以及审美取向的变化始终是艺术客体转变的根本原因。
作者:杨x阳韩禹锋张天单位:绥化学院
关键词：整体感 和谐 简化
绘画中的整体问题，一直是我们画者始终追问的话题，也是我们在作画中不断思考的内容，还是我们评价一幅油画作品好坏的重要依据。为此，我们应该说绘画过程中最重要的是整体问题。
那么油画中的整体性是什么呢？首先，不应该与我们在作画过程中的四个步骤（①起大的轮廓；②铺大的色彩；③深入刻画；④整体调整）中的第四部分完全相同。整体调整是绘画最后完成的一个阶段，它是指从一幅画的全局出发，对整张画的各种关系，如主次、强弱、虚实、疏密等的互相对照、互相衬托的关系，从色彩、形体、明暗、空间等各方面进行加强或减弱处理，从而取得一种整体感。整体感要求把整张画的各个部分、各种造型因素联系在一起结合成为一个有机和谐的整体，鲜明有力地传达出作者特定的审美感受。整体感好的画中既没有主次不分、喧宾夺主的次要部分，也没有个性模糊、软弱无力、苍白暗淡的主体。
其次，整体调整虽然是完成一幅绘画作品的必不可少的最后阶段。但是，我们在油画艺术创作中就不能只局限于这一阶段的内容，笔者认为应该使思想更宽广一些，认识再深刻一些。爱德华·道格拉斯把绘画当作“二十二条军规”，即绘画是有一定约束的。一方面，艺术家均希望自己的作品整体和谐，围绕整幅作品每一部分因素都能够传达出它的情感内涵；另一方面，艺术家也知道整体性完成需要积聚并协调众多的独立结构。WWw.133229.COM所有画家都会遇到这些问题，一个艺术家不可能在短时间内完成一件作品，因此我们要找到省略琐碎的局部，注重整体塑造的方法，细节累积不等于一幅绘画作品，有时候，刻画精致的细节反而会破坏整体。
对道格拉斯而言，一幅画的整体感来源于视觉上的简化，色彩和形式都要单纯。重整体意味着每一块色彩（无论多小）都围绕整体涂抹，“我希望看到一块色调统一的大色域，但在这块颜色里面却包含着丰富的色彩变化，如何将各个局部统一在一个大的整体中是我不断探索的课题。我每一次进入画室后都会不停地思考整体性的问题。”[1]作画时，这条潜规则时时盘旋在他的脑海中，于是在安排人物画或静物画的结构时，始终把整体性摆在第一位。笔者在近二十年的教学过程中，常常看到一些初学者将注意力放到细部的深入刻画上，相当一部分学生追求刻画的华美和精致，他们精心地“复制”出各个局部，而笔者则要求把它简化。莫兰迪的油画可以很好地诠释这一观点，莫兰迪将瓶子作单纯化的处理，而后将它们排列在一起形成一个完善的整体，他在细节和整体之间搭建一座桥梁，笔者从中获益匪浅。最大的收获就是在作品中应清楚地交代出大关系，很多画家都会自觉地运用这种方法，笔者始终保持视线的开阔，并且随时将聚焦在细节上的目光收回，转而重新审视整幅作品。这时，笔者开始思考光线的本质、色彩的对应以及各部分之间的对应关系。
实际上简单地讲，整体性就是某一固定光线或者某一色调下的静物（人物），或者画面中流露出的某种特殊的气氛与情感。我们坚信，一幅画只能有一种主色调，这同毕加索的蓝色玫瑰时期的艺术创作手法近似。所有的颜色都统一在一个主色调里，同时在这个主色调里各部分色彩又相互对应联系。例如，画面的主色调是蓝色，那么画家的任务就是如何成功地使每一块笔融都迎合它，是加强还是减弱，但是这并不意味着画家只能选择蓝色系列的色彩。比如说，橙色可以更好地强化蓝色，而蓝底子上的红色也摆脱了它原有的味道，在新环境下呈现出全新的视觉效果。我们在创作中要运用这种效果，发掘色彩之间的微妙关系。我们可以认真地研究世界名家的作品，这些艺术家都力图在绘画中表现整体感觉，马蒂斯的《红屋子》就是一个很好的范例。实际上，这间屋子原是蓝色的，但马蒂斯察觉到蓝色无法达到理想中的情调，便将蓝色的房顶改为红色，于是画面生动起来，整体气氛十分和谐。还有伦勃朗，他在绘画创作中强调某一束特定光源下的整体效果。道格拉斯一直在寻找一个引线，它能够串联画里的所有部分。“如果我找到了它，我就赢了，沉溺于太多的细节只会丧失画面中的整体感，我也会夸张或变形某些局部的结构，使作品更加多元化，遇到复杂的场景时，我意识到必须重新建立一个单纯的构图，确立画面的整体性。于是我删掉一些细节，为了配合整体甚至改变它的色调，在细节刻画与追求整体效果之间不断领悟，让伟大的艺术变得如此有趣。”[2]
谈到这里，我们会想起到美术馆观看展览的情景，人们都是把脖子伸得很长，尽力向前探去，唯恐看不到某一细节、某一局部的处理，很少有人只站到远处看一看整体效果。对于整体的把握，罗丹也给后人留下了很多的故事，他在给伟大的文学家巴尔扎克塑像完成之后，让他的一些学生来看这件伟大的作品，大家看了之后都是赞美不已，把目光都集中到了巴尔扎克的手上，赞美这双手塑得那样精美、真实。罗丹听了之后，拿起斧头将这双“美丽”的手给砸了，直到今天我们看到的巴尔扎克的塑像还是无手。可见罗丹对整体性的重视与追求。因此，罗丹说：“《巴尔扎克纪念像》是我一生中创作的顶峰，是我全部生命奋斗的成果，是我们美学原理的集中体现。”[3]
同所有技术一样，处理整体效果需要不断的实践，艺术家要坚持不懈地努力工作，才能发现其中潜藏的规律，名作就是我们的导师，它们向我们揭示了其中的奥秘。整体感常常稍纵即逝，不易察觉，所以头脑中要不停地思索它，才能更好地认识它。风景写生是锻炼整体性观察能力的有效途径。日出、日落，或者一场暴风雪都是很好的素材，这种场面具有一种无法抵抗的魔力。当然，观察和经历是一回事，在画布上作画是另一回事，那些认为自然界可以生搬硬套挪进画面的想法是错误的。艺术家只有重新组织构图，简化、提炼色彩和造型，加深画面的现实感与整体感，才能使自己的作品更加深奥而不朽，并加强自己作品的整体感和整体意识。
参考文献：
1形神论的形成及在佛教思想文化中的含义
中国油画艺术中, 形神论这一艺术理论与佛教思想文化存在着一定的联系。中国艺术形神之说自古以来一直是艺术美学的一个重要议题。 形与象二者相互关连，合二为一即为形象。 将其分开来看,可最早追溯到中国的先秦典籍《易经》。 该书这样阐述道易者象也,象也者像也。 这是最早的对形象的理解，将象等同于像。 《系辞传》则肯定了易象的来源是天上万象的写照，并提出观物取象的思想。老子也曾对象加以说明。 他所著的《道德经》中提到道之为我,惟恍惟惚; 惚兮恍兮,其中有象;恍兮惚兮,其中有物。 该句中对象的描述或指对象的具体形态、物象,亦或可能是对宇宙中自然万物变化莫测,气象万千的一种模糊意义上的形容。 但不管怎样，都从不同角度作出了对象的理解。由此看出《易经》和老庄哲学都蕴藏着一定的美学思想,比后来传入中国的佛教思想文化要早很多，它们是中国艺术美学理论形神论形成的必要因素。 随着历史与艺术的发展,佛教思想文化在与儒道等典型文化的既相互排斥又相互渗透、融合的进程中完成了中国化的历程,并与儒道思想文化一起加速了中国艺术美学形神论的成熟与完善。 形象一词在佛家典籍中早已被提极过,但并非对艺术而言。 前者的《易经》与老庄哲学只提到了象,而并未将形与之联系在一起。 而佛教则很好地将二者合二为一。 《高僧传卷八》这样记载道：圣入之资灵妙以应物,体名寂以通神,借微言以津道,托形象以传真。 其中虽然充满了唯心主义思想，但形象一词却却诞生了， 这其中的美学思想不言而喻，而更加推动了形神论之说走向成熟的是佛教的神不灭论，其着力揭示了神是不随形灭的。 形是易朽的东西,神是精极而为灵者也，它是恒常不变的实体(无生) 可以托身异形、随物冥移这些佛教的思想文化点明了神的重要及灵性，也表明了形的暂时性，不恒久性。于此形粗神精的价值观也就随之凸现出来了，这也恰恰体现了艺术美学思想中的形神论。
2形神论之于油画创作的重要意义
形神论在美学上的反映,最突出的就是贵神贱形，即重视画面的神，形则处于从属的地位。 由此,中国艺术美学思想中的形神论理论更为丰富、成熟,集多家思想文化融合互补于一体,但佛教思想文化中的神不灭论的痕迹则尤为明显，由此，绘画艺术理论也就更为丰富多彩了。如以形写神。元代刘见孙的《萧达可文序》中这样阐述道：即神似，虽形不酷似,尤似也。 其意思是说有了神采了，尽管形象上不太吻合，也没有关系，神似则可。 《画论》中说:今人看画,多取形似，不知古人最以形似为末节。 意思是说，时下人们欣赏画作，大多通过形来评判该幅画作的好坏，岂不知古人早已将形的好坏放到了评价标准的最后。 于此同时，形神论的形成与发展也离不开大量的艺术实践。 佛教传入中国后,佛画的大量绘制也很大程度地加速了艺术的发展与艺术理论的成熟与完善。 通过大量的艺术实践,形神论得到了进一步的丰富与发展。形神论的美学思想不仅对中国传统绘画影响深远,同时也直接或间接地影响了中国油画艺术的发展。 具有一定国学基础及文人精神思想的中国艺术家在面对油画创作的时候，只是在材料技法方面稍显陌生,占主导地位的却仍然是人的思想精神，而这恰恰是油画创作标准的最高层面，即神的层面。 中国油画家受传统文化形神论的影响，在油画创作中不断探索，十分注重画面中的形与神。油画艺术对于东西方而言，确实存在着差异。 西方古典的写实性与东方传统的表现性、写意性确实存在着明显的差异性，但这只是二者在形与神上的侧重点不同而已，前者在形上要求严谨性、科学性，理性的成分较多;后者则把形放到次要地位，只求似则可，把神即精神、性灵、神韵列在首位。 二者之间看似冲突，但仔细分析判断后，事实并非如此。 二者只是由于文化差异导致了在油画创作上的侧重点不同，但最终的目的却是一样的，即都是为了满足审美的需求以及表达一定程度的精神世界、思想内涵。 中国众多的油画家们正立足于本民族传统文化的高点上，通过不断探索研究，吸收外来文化的精华，使油画在中国这片土地上快速发展，形神论则一直被高度重视并贯穿于油画创作之中。
当今油画艺术形式繁杂，成多元化趋势。 一部分艺术家吸收西方古典写实性艺术的精华，注重形的处理，并与中国审美文化相结合，创作出了具有东方特色的写实性油画艺术，使画面达到了形神兼备艺术效果，即重视形体，又重视对其神韵的追求。写实画家较多，如冷军、王沂东等。 同时西方艺术家们通过反思古典写实油画的得失，自觉的追求油画语言的变换与变异，向表现性、象征性和抽象性油画艺术方向发展。 比如西方现代主义画家抛弃了古典的写实性，开始追求表现性、象征和抽象性，这些方面都与中国传统文人画接近，即逸笔草草，聊以解胸中逸气。从一定意义上来说，中国传统绘画的写意性与西方现代绘画的主张有异曲同工之妙，都是对神采的追求，对精神性的探索。 尽管东西方思想文化存在着巨大差异，但艺术却是全人类的艺术，中国绘画艺术与西方绘画艺术达到了某种程度的共鸣。 在东方文化氛围之内，艺术家们除古典写实以外，在油画创作中又采用了变形、夸张、抽象等艺术手法，进行更加大胆的艺术尝试，创作出大批优秀的油画作品来。其一个共同点就是艺术家们都没有抛弃东方灿烂辉煌的思想文化，尤其注重对形与神的处理并将其继承、发扬、再创造。这些优秀的艺术家有吴冠中、赵无极等。 吴冠中的绘画艺术极富思想精神性，画面灵动而优雅，色彩丰富而纯净，具有禅的境界。
我的毕业创作分四个部分：一副是颜色艳丽的，一副是黑白的，一副是金色和黑色的结合，还有一个是电脑制作的视频。四者相结合，突出了我的油画与现代艺术的结合，利用了一些现在的科技元素构成了我整个的创作作品。其中那幅黑白作品，利用了一些技巧，以便来突出它的主题和它的视觉效果。（利用了毛线突出女人的长发的感觉，采用真实的饰品添加给人物，利用打碎的贝壳制作背景的肌理效果，采用了碎玻璃表现出女人透明的肢体……这些都为了使画面更美），那么我用了一些综合材料，来填充我油画的效果，我自认为是油画的一种技巧，并也能够体现质感的一种方式。当然，从根本上说，美的领域涵盖人类活动的一切领域，我想油画也应如此，凡是正确的、有效的，能体现美的我们都可以借鉴。我在创作过程中，想尽了一切可用的东西，甚至有些被称之为垃圾，但是它用在了可用之处，它就是美的，给整幅画面增添了更完美的艺术效果。
艺术不追求直接的实效，它追求的是美。这是一种活的、有生命的、千差万别的、变化无穷的形式，所以它在不同的作品里永不重复。如果把那些材料相同的作品归类，那么相同的材料又都各表现着不同的美。艺术是人所创造的美，油画亦如此。任何事物，它必须首先能使人感到美才可能成为艺术。离开了这个最基本的出发点，就很难理解艺术是什么。艺术靠技巧来表现和创造美，但如没有美，技巧也就白费了。总之，艺术是一种美。任何事物，它必须首先是美的，然后才有可能是艺术，这是我所表达的第一个层次。
二、艺术是情感的表现艺术的任务，在于捕捉和表现。
我们把它定义为情感的表现。油画从颜色、用笔等也表现出其画画人的情感。比如梵高的《向日葵》，莫奈的《日出印象》都表现了他们的情感。其实“情感”一词并不确切。通常所谓“情感”，往往是指“愤怒”“、快乐”、“悲哀”等心理过程。这里的情感概念内涵要丰富、外延要广阔。它无法获得一个明确的心理过程。包括一切“只可意会，不可言传”的东西；那些“忧来无方，人莫知之”的东西；那些“才下眉头，却上心头”等。现代心理科学早已证明，正是那些东西的总和，构成了我们的内心生活的基本内容，构成了我们的“自我”。在这里，所谓“表现情感”，同“表现自我”是一回事。在创作过程中，我对这些作品都有了很深的情感，尤其是那张彩色的装饰作品，我在它身上注入了对现代时尚美的追求！并大胆地采用了纯色和当今的流行色，表现五彩的世界和人们的激情。在此幅作品中我还融入了当今最流行的影视艺术，在此表现出社会时尚元素不断追求的情感。这是我所表达的第二个层次。
三、艺术的创作作为情感的表现，实际上是一个意境问题。
若问艺术家创造了什么，回答就是创造了意境。画布上涂满各种颜色，键盘上敲出各种乐音，稿纸上写着各种单词……如果这些颜色、乐音、单词是有机地互相关联而形成一个活的有生命意味的整体时，那么不论它是抽象还是具体，不论它是否合乎逻辑，它都必然地构成这种或那种意境，具有这种或那种表现性。这个有机整体，我们称之为艺术。它是被创造出来的，是艺术家按照自己感情的旋律创造出来的。在它被创造出来以前，它并不存在。这就像各种颜色是原先就存在的，但是用几个颜色构成一个活的有机整体，是画家的创造。在他创造以前，你可以找到颜色、画布，等等，但却找不到那个意境。在作画过程中我的调色板，我感到就很有创作性，它的美我认为不是一般人可以感受到的，慢慢的体会每一个色块的安排，慢慢的体会同一种颜色的变化，它是很有艺术性的，很有层次，很有韵味。假如颜色在画布上不能构成活的有机整体，那它就是涂在画布上的颜色，此外什么也不是。活的有机整体并不活在画布上，而是作为一种具有虚幻维度的形式，活在欣赏者的感受之中。所以它是意境而不是实境。一种意境就是一种艺术形式，一种艺术形式就是一定情感或心绪的动态形式的同构形式。情感本身及其表现也不等于艺术，只有它客观化为一定的物质形式才是艺术。在实践中艺术灵感总是来源于生活。这是我所表达的第三个层次。
四、艺术与社会生活艺术与社会生活不可分离。
【关键词】油画 民族化 反思
就像中古时期印度佛教中国化一样，油画的民族化也是一个不得不面对的问题。有关油画民族化的讨论文章，可谓汗牛充栋。一则显示了这个话题的过度泛滥，另一层面也凸显了这个问题的重要性。这些讨论，无一例外地凸显了油画家、理论家对这种舶来画种的身份焦虑。对油画民族化的讨论，归根结底可以认为是对当下风格与当下精神的追寻与强调。
一、关于油画民族化的认识
以意大利传教士利玛窦于明代晚期携带油画圣母像进入中国为始，油画传入中国已有400年的历史，期间虽然有过像清代宫廷画家郎世宁、王致诚等创作过中西合璧的绘画，但油画民族化成为一个问题并加以讨论却是20世纪的事情，尤其是新中国成立后关于绘画改造才变得愈加凸显。从民国时期“洋画”到新中国“油画”称谓的转变，正是这一涵义的反映。油画民族化或曰油画本土化，是使油画这种外来画种成为中国式的油画，具有中国绘画的特点和审美情趣。
在20世纪50年代末60年代初，油画界的前辈已围绕“油画民族化”开展过一轮较大范围的讨论。在这一时期的讨论中，强调了对油画本身特性的讨论，如油画家倪贻德认为：“民族化必须加强和充实某种造型艺术（例如油画）的特点，而不是削弱它的特点。”①油画家吴作人则进一步指出：“油画如果放弃自己的特性而模仿别的画种的特性，这就强制油画做它所无能为力的事，会限制了油画的发展，也就可能取消了油画，以为不必一定画油画了。我们绝不能在排斥油画艺术的技法的前提之下，来求得油画民族化。”②这一时期探讨油画民族化是以国画作为参照系的，论者亦多以传统国画的审美习惯、技法等加以讨论。在风格上，民族化的油画甚至被认为是油画家努力的最高目标。③
改革开放后，中国油画突破了单一化的创作思路，加之西方现代美术思潮的涌入，油画最终走上多元互补格局，“画家们普遍从关心画什么进入到关心如何画？更加关心艺术自身的表现形式、艺术规律与价值”。④国门封闭后的再次开放，使得中西文化之间的对话突如其来，油画民族化的讨论热情又再度掀起。和新中国成立初期提出民族化相较而言，改革后所提倡的已处于两种不同的语境中，一些新的观念被注入。如袁运生就指出：“民族化的提法，首先应该是个性的，而且应该是现代的，用现代人的情感去对待民族传统。”⑤在当下，油画民族化更强调中国与世界的关系。如2010年中国美协油画艺委会与西安美术学院举办的“溯古融西――油画中国语境理论对话”学术研讨会，就传达了这样一种价值观念，中国油画“本土化”成为研讨会的焦点话题之一。⑥
实际上，油画民族化是一个非常复杂的概念，甚至很难用具体的语言加以描述。它是一个变动的概念，不同时期有不同的内涵，也有不同的延展意义，应以发展的眼光看待。
二、油画的中国元素
数十年来，很多油画家、理论家甚至国画家都对油画的民族化提出过自己的观点。无论是有意抑或无意，很多油画家以自身的艺术创作来实践着民族化或本土化的油画艺术。总结过往的艺术创作，油画家探索中国化的油画，大概有以下三种路径：
（一）描绘中国事物。用油画颜料和技法来表现中国的山川土地、社会生活、民俗风情，这被认为是油画民族化最常见的手法，也为大多油画家所效法。相较而言，这也是相对便利和简单的中西融合方式。很多艺术家走进中国农村，描绘原生态的中国农民的生活，或者走进西部荒凉的地界，描绘西北特有的山川景物，中国的事物触发了油画家的民族情怀，这是很多油画家所乐于追寻的。
（二）使用传统国画技法。近代国画走向衰落与油画的引进，是这两种判然有别的画种真正意义上的碰撞。正如近代中国画改良而向西方油画借鉴透视、写实技法、表现色彩一样，很多油画家也从中国传统中寻求滋养。如中国传统绘画中只有三点透视而没有焦点透视，观察大自然也常用北宋画家郭熙所总结出来的“三远法”，即“高远”“深远”“平远”。又如国画的写意性被注入到油画的创作中，产生了写意油画。
（三）探索中国哲学式的艺术。中国传统绘画强调个人与自然的关系，强调天人合一，它包含一种哲学在里面。“物我两忘，不知我之为画，画之为我”，就是这种观念的体现。很多油画家在创作的时候，从传统中寻找思想，将中国绘画的手法、中国的艺术形象和文化符号导入油画创作中，试图创作出别具风貌的油画作品。
当然，油画家借鉴传统绘画的元素和表现方式有很多。需要注意的是，观察一位画家的创作，尤其需要关注其所处的人文环境与地域差异，都对型塑油画的中国风格起着至关重要的作用。
三、油画民族化背后的思想意识
意大利哲学家克罗齐曾说过，一切历史都是当代史。历史与现实密切相关，或者说，过去正是导引着现在与将来。无论是新中国成立初期关于油画民族化的讨论，还是改革开放后关于民族化的辩争，又或是当前对油画民族化问题的反思，它都建立在特定的历史情境中，而且前者影响着后者。任何画家或理论家对观念问题的争论都是无可厚非的，也无须争辩孰是孰非、谁对谁错，关键是，这些辩论、论争传递了一种怎样的思想观念。
50年代曾批评道：“……中国的画家在抄袭西方的画法，这种情况是存在的。这种抄袭已经有几十年、近百年了，特别是抄袭欧洲的东西，它们看不起自己国家的文化遗产，拼命地去抄袭西方。”于是，对“民族文化遗产的继承”就成了这一特定时期文艺的方针政策，也成了广大油画家响应党和国家意志的首要选择。
相较于新中国成立初期国门封闭、缺乏对世界认知与交流，改革开放以来直至当下，艺术创作环境已经有了翻天覆地的改变，被政治所束缚的阻力越来越小了，相反，与国外艺术界的交流变得越来越频繁，艺术家的个人意识也越来越强烈。中国被动地卷入全球化以来，判定中国人的行为与思想的坐标就要变更，需要更多的从他者的眼光、从世界的眼光来看待。大至国家大事、经济贸易如此，小到油画创作亦如此。今天，中国的油画家早已走出国门为世界主流文化所接纳，它造成了两种看似悖论的情境：
一方面，很多国外的收藏家、批评家青睐于中国画家创作的油画作品，他们往往带着特定的身份和视觉来看待中国的艺术家。无论艺术家立足于何种的思想观念，在这些外国人看来，中国的油画有着异于其他国家和地区的特征。这仿佛就建立了中国油画有别于其他国家的所谓民族化的特色。
另一方面，一部分油画家打着民族化的旗帜，试图创作出具有当代中国精神的油画作品，既渴望融入世界，又希望保有鲜明的民族个性。这些艺术家特别强调中国油画的特殊性、世界（尤其是西方国家）对中国油画的认同，希望融入世界潮流，它恰恰反映了一部分国人的一种文化自卑感。油画民族化背后的思想意识，是对全球化艺术体系中中国油画的位置的忧虑，是对当代精神认同的焦虑。
结语
正如一些论者所指出的：“否定‘民族化’和鼓吹‘民族化’都不利于油画在中国的发展，错误并不在‘民族化’上，正如当年把现实主义模式化一样，其实错误也不在现实主义。无论有多少探索和追求者，在路上都是各奔前程，不必殊途同归，也无需唯我独尊。”⑦笔者也持同感。过去的历史经验告诉我们，任何过分偏重于某种形式，必然会挤压另一种同样有益的形式，这都是不好的。也不要用任何框架来束缚我们的创作天性，毕竟，油画创作是跟个人的天性、兴趣、知识结构、师承、见识等诸多因素相关；毕竟，艺术是表现人的情感的；追求纯粹性才是最重要的。这是当代文化环境给我们的启示。尽管如此，也并不妨碍我们从当代的视野中观察“油画民族化”这样一种尝试或努力，毕竟，这在历史中存在着，有一辈又一辈的油画家在探索着，有其意义。
注释：
①倪贻德.对油画、雕塑民族化的几点意见[J].美术，1959（3）：7.
②吴作人.对油画“民族化”的认识[J].美术，1959（7）：19.
③董希文.从中国绘画的表现方法谈到油画中国风[J].美术，1957（1）：6.
④闻立鹏.油画十年随想――〈中国油画展〉观后[J].美术，1988（3）：9.
⑤北京市举行油画学术讨论会[J].美术，1981（3）：55.
⑥梅松松.“溯古融西――油画中国语境理论对话”研讨会综述[J].美术，2011（10）92―95.
⑦刘淳.中国油画史[M].中国青年出版社，2005：270.
参考文献：
[1]高名潞等.中国当代美术史1985―1986[M].上海人民美术出版社，1991.
[2]陈履生.新中国美术图史[M].中国青年出版社，2000.
[3]邹跃进.新中国美术史1949―2000[M].湖南美术出版社，2002.
[4]赵力，余丁.中国油画文献1542―2000[M].湖南美术出版社，2002.
[5]刘淳.中国油画史[M].中国青年出版社，2005.
[6]贾薇，蓝皮.镔铁：1979―2005最有价值先锋艺术评论[M].敦煌文艺出版社，2006.
[7]李超.中国现代油画史[M].上海书画出版社，2007.
关键词：北方；冰雪题材；油画创作；现状
中图分类号：J223 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）29-0184-02
一、北方冰雪题材油画创作研究的现状
对北方冰雪题材油画创作的研究大致可以分为四类：
一是对于冰雪题材绘画创作相关研究。冰雪山水画研究方面有于志学主编《触类旁通：冰雪山水》，2004年；卢平主编《于志学》，2005年等；北大荒冰雪题材版画研究方面有北大荒画报社主编《北大荒版画选》，1962年；北大荒版画三十年文献编辑委员会主编《北大荒版画三十年论文选集---吞吐大荒》，1988年等；北方冰雪题材水彩画写生研究方面有李水成主编《水彩画风景写生与创作》，2011年。董喜春主编的《水彩画风景写生》，2006年等。以上三方面均以不同形式直接针对冰雪题材绘画创作进行的相关研究。
二是雪景题材油画创作的个案研究。我国当代许多油画家的雪景作品非常出色，他们在广泛吸收欧美等西方油画的注重科学的再现物体外在的客观语汇的同时，汲取中国传统的强调作者主观感情和注重画面意境的精神，在油画本土化道路上取得了可喜的成就，这些画家有群、苏天赐、艾轩、沈行工、白羽平等一大批著名画家。群的画风融入了西方抽象绘画语言和中国唐宋以来的美学思想，由表现上升至观念。苏天赐的雪景风景画并不追求丰富的光线变化，他用色单纯而概括，强调黑白，压缩空间，善于经营点线面的关系。艾轩风格的最大特点是借景抒怀。他画高原景色中的孤独人物，借雪域高原的女孩与牧民的形象，抒发了自己内心的那份孤寂之感。这种景中之情首先来源于雪所蕴涵的忧郁和寒冷的意境。艾轩用大笔概括的雪凝练而圣洁，白雪覆盖的地面被压缩成极少起伏的、抽象的面，只有远处的地平线的一条弧线才使画面有了一些动感，使画面看起来更加空旷、深远。沈行工的雪景让我们看到的就是他在色彩语言上对于中国诗性文化的表达与创造。在他的一些雪景油画中，江南风景与象征高尚、纯洁的白雪结合，给人以空远、静穆、圣洁、一尘不染的美感。通过当代油画家对雪景题材绘画不断创作努力，为我们今后图像史料搜集及创作理论研究打下了坚实基础。
三是对于北方油画创作的实践感悟与收集整理和研究。可以深入了解东北雪景创作风格、代表画家及创作特点，对于我们分析和探索北方独特的地域性冰雪题材创作有着极其重要的理论意义。北方气候受大陆性季风的影响，一年之中大部分时间被积雪覆盖，浓郁的北方地域特色对于艺术家雪景创作题材的选定奠定了丰富的地域素材基础。
四是国外相关研究。油画作为独立的画种出现至今已有几百年，风景画作为独立的艺术样式而出现时也涌现出许多的雪景题材绘画。历史上不同时期、不同风格的画家中许多人都以冰雪为表现题材，创作出了大量杰出作品。被誉为欧洲独立风景画开创者的老彼得.博鲁盖尔《雪中猎人》是雪景风景画先驱。库尔贝是十九世纪法国现实主义美术运动代表人物，他的雪景油画很精彩，以朴实的手法描写家乡风土人情和自然景色，他的雪景画色彩明亮，注重对空气和外光的表达。印象派画家中许多人迷恋雪景，严寒中奇妙的光线变化激发了无穷的创作灵感，他们热衷于表现雪中日光下物体蓝色的投影、若隐若现的丰富色彩和雪的白色氛围。印象派画家莫奈所做《淌凌》；毕沙罗《霜》和西斯莱《鲁弗申的雪》等作品，画中的雪在色彩上所达到的和谐与抒情效果。俄罗斯横跨欧亚大陆，地处高纬度，一年中的大部分时间都被冰雪覆盖。自然造就了俄国夸张奇幻的冰雪世界，他们的画作也拥有一种深远辽阔的壮美意境。以巡回展览派为代表的艺术家们的雪景油画，描绘了辽阔而美丽的俄国大地，画面的意境庄严、优美、苍茫、凝重而富有诗意。通过以上国内外相关研究梳理、分析发现，北方冰雪题材油画创作多以实践创作为主，缺少对北方雪景题材油画创作方面的理论研究。在相关的理论研究层面尚存在不足现象且存在如下问题：首先，对北方冰雪油画创作理论研究数量不多，且显得过于零散，系统性的理论研究相对较少，这在一定程度上也限制了北方冰雪题材油画创作的深入研究。其次，现有理论研究多集中在理论的某一方面开展的研究，缺少全面的美术理论研究及方法论特征的归纳。第三，针对以上的四方面研究说明对于北方冰雪题材油画创作研究缺少深层次的本体研究。
二、北方冰雪题材油画创作研究的脉络
通过北方冰雪题材油画创作研究现状的分析，可以将北方冰雪题材油画创作研究脉络分为三个阶段，以逐渐递进的研究方式进行研究。
第一阶段是针对北方冰雪题材油画创作进行系统性概述方面的研究，主要针对表现手法以及国内外雪景创作研究资料进行分析整理，系统的将北方冰雪题材油画创作研究进行理论概述，这也是北方冰雪题材油画创作研究的重点内容之一。通过北方冰雪题材油画创作的系统性概述，对研究内容以及现有资料进行全面梳理，为进一步进行冰雪题材油画创作研究做以前期铺陈。
第二阶段是针对北方冰雪题材创作进行视角性的个案研究，将从不同时期的绘画特点、表现语言、民族性及北方乡土文化等视角对其进行多层次的理论与实践研究，归纳和整理出适合进行北方冰雪题材油画创作研究的合理视角，探索出适合北方冰雪题材油画创作研究的切入点，研究将集中研究融合性与传承性特点。
第三阶段针对北方冰雪题材油画创作进行审美性研究，这也进入了理论研究的深入层次。通过北方冰雪题材油画创作研究的前期两个阶的研究，将在理论层次上深入挖掘北方冰雪题材油画创作在审美角度上的理论性，总结并概括出适合北方冰雪题材油画创作研究的方法论特征，从不同时期的绘画特点、表现手法进行分析，从而提炼其现代性的审美价值，提出有理论价值的关于雪景油画创作反映的独特地域性及绘画语言具有审美性的方法论。
三、北方冰雪题材油画创作研究的意义
通过北方冰雪题材油画创作的研究可以将艺术实践与理论内涵结合起来研究，全面、深入的揭示北方冰雪题材油画创作的文化价值、历史价值、民俗价值及艺术价值；通过北方冰雪题材油画创作的深入研究，有利于我们对“北方冰雪”这一地域性题材的挖掘与认识，为深入研究冰雪油画创作提供具有参考价值的理论依据；通过国内外冰雪题材油画创作的绘画资料作以收集和整理，针对绘画本体进行深入的理论实践研究；通过北方冰雪题材油画创作的深入研究，可以将北方冰雪题材油画创作至于美术史、历史和学术史的背景中进行综合分析。从美学角度做出具体、精致、深入的研究。从而建立北方独特地域性文化的理论文献，有利于历史发展与地域文化的传承与保护等各方面的挖掘同时在继承和发展冰雪油画创作方面起着重要作用；通过北方冰雪题材油画创作的研究有利于北方冰雪题材油画创作绘画特征在历史发展、地域文化、绘画语言、形式技法等方面的深度探讨，且在理论层次上探索出相关北方冰雪题材油画创作方面重要的美学价值。
参考文献：
[1]于志学.触类旁通：冰雪山水[M].安徽美术出版社，2003.
[2]赵锦剑.中国油画家白羽平[M].吉林美术出版社，2010.
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